管弦乐队 |

来自希腊 orxestra - 一个圆形的，后来是古代剧院的半圆形平台，在那里，悲剧和喜剧的合唱有节奏地演唱他们的部分，来自 orxeomai - 我跳舞

一组演奏各种乐器的音乐家，旨在共同演奏音乐作品。

直到 SER。 18世纪的“哦”这个词。 古代理解的。 感觉，将其与音乐家的位置联系起来（Walther，Lexikon，1732）。 只有在 I. Mattheson “重新发现的管弦乐队”（“Das neu-eröffnete Orchestre”，1713 年）的作品中出现了“O”这个词。 随着旧的意义获得了新的意义。 现代它首先由 JJ Rousseau 在《音乐词典》（Dictionnaire de la musique，1767）中定义。

O.的分类原则有几个：主要的一个是O.的根据instr的划分。 作品。 区分混合乐曲，包括不同组的乐器（交响乐 O.、estr. O.）和同质乐曲（例如弦乐队、铜管乐队、打击乐器）。 同质的乐曲有自己的划分：例如，弦乐器可能由弓弦乐器或弹拨乐器组成； 在风 O. 中，一种均质的组合被区分——铜组合（“帮派”）或混合，加上木管乐器，有时是打击乐器。 O.博士的分类原则源于他们在缪斯中的任命。 实践。 例如，有一个军乐队 estr。 O. 一种特殊类型的 O. 由众多表示。 自然。 合奏和 O. Nar。 乐器，既有同质的（domrovy O.），也有混合的（特别是那不勒斯管弦乐队，由曼陀林和吉他组成，taraf）。 其中一些变得专业化（由 VV Andreev 创建的 Great Russian Orchestra，由 AI Petrosyants 组织的 O. Uzbek 民间乐器等）。 对于 O. nat。 例如，非洲和印度尼西亚的乐器以打击乐为主。 加麦兰，O. 鼓，O. 木琴。 在欧洲国家最高形式的联合指令。 表演变成了交响乐。 O.，由弓、管和打击乐器组成。 所有弦乐部分均以交响乐形式演奏。 O. 由一整组（至少两名音乐家）； 这个 O. 不同于 instr。 合奏，每个音乐家都演奏 otd。 派对。

交响乐史。 O. 可以追溯到 16-17 世纪之交。 大型工具集体存在较早——在古代、中世纪、文艺复兴时期。 在 15-16 世纪。 在庆祝活动中。 案件被收集 adv. 合奏，to-rye 包括所有乐器家族：弓弦和弹拨弦、木管乐器和铜管乐器、键盘。 然而，直到 17 世纪。 没有经常演出的乐团； 音乐的表演时间安排在庆祝活动和其他活动中。 O.在现代的出现。 这个词的含义与 16-17 世纪之交的出现有关。 新类型的谐音音乐，如歌剧、清唱剧、独奏。 音乐会，其中 O. 开始执行人声的器乐伴奏功能。 与此同时，像 O. 这样的集体经常有其他名字。 是的，意大利语。 作曲家骗局16 - 求。 在 17 世纪，它们最常被称为“音乐会”（例如，“Concerti di voci e di stromenti” y M. Galliano）、“教堂”、“合唱团”等。

O.的发展是由许多人决定的。 材料和艺术。 因素。 其中最重要的有3个：兽人的进化。 乐器（新乐器的发明，旧乐器的改进，过时乐器从音乐实践中消失），兽人的发展。 表演（新的演奏方法，音乐家在舞台上或兽人坑中的位置，O. 的管理），与兽人本身的历史有关。 集体，最后是兽人的变化。 作曲家心中。 因此，在 O. 的历史中，物质美学与音乐美学紧密相连。 成分。 因此，在考虑 O. 的命运时，我们指的并不是仪器或兽人的历史。 款式，O. 开发的材料成分有多少。 O. 在这方面的历史有条件地分为三个时期：O. 从大约 1600 年到 1750 年； A、二楼。 2 - 求。 18 世纪（大约在第一次世界大战 20-1 开始之前）； O. 1914 世纪（第一次世界大战后）。

O. 期间 17 – 1 楼。 18 世纪 从文艺复兴时期开始，O. 在音色和 tessitura 选择方面继承了丰富的乐器。 最重要的兽人分类原则。 17世纪初的工具有：1）物理上的工具划分。 A. Agazzari 和 M. Pretorius 提出的将发声体的性质变为弦乐和管风； 后者还特别提到了鼓。 然而，根据 Pretorius 的说法，例如，弦乐的关联包括所有“带有拉弦”的乐器，无论它们在音色和声音产生方面有多么不同——小提琴、小提琴、七弦琴、鲁特琴、竖琴、小号、单弦和古钢琴, cembalo 等 2) 根据由它们的大小确定的 tessitura 将同一类型内的仪器分开。 这就是同质乐器家族的产生方式，通常包括 4 个，有时甚至更多的 tessitura 变体，对应于人声（女高音、女中音、男高音、低音）。 它们出现在“音乐科学法典”（“Syntagma musicum”，第二部分，2）第 1618 部分的乐器表中。 16-17世纪之交的作曲家。 因此，他们有弦乐、管乐和打击乐的分支家族。 在弦乐家族中，中提琴（高音、中音、大低音、低音提琴；特殊品种 – viol d'amour、男中音、中提琴混蛋）、七弦琴（包括 da braccio）、小提琴（四弦高音、男高音、低音、 4 弦法文 – 波切特，小高音调高四度），鲁特琴（琵琶，theorbo，archilute 等）。 长笛乐器（纵向长笛家族）在管乐器中很常见。 带有双簧片的乐器：长笛（其中包括从低音炮到高音管的一组轰击声），弯曲的喇叭 - krummhorns； 吹口乐器：木制和骨锌，长号 decomp。 尺寸、管道； 打击乐器（定音鼓、钟声等）。 炒锅3 世纪作曲家的思想牢固地基于 tessitura 原则。 高音 tessitura 的所有声音和乐器，以及中音、男高音和低音 tessitura 的乐器，都统一组合在一起（它们的部分被记录在一条线上）。

最重要的特征是在 16-17 世纪的边缘出现。 谐音风格，以及谐音-复音。 字母（JS Bach、GF Handel 和其他作曲家），变成了 basso continue（参见 General bass）； 在这方面，伴随着旋律。 声音和乐器（小提琴、中提琴、各种管乐器）出现了所谓的。 连续组。 工具的组成发生了变化，但其功能（演奏低音和伴随的多边形和声）保持不变。 在歌剧发展的初期（如意大利歌剧学校），连奏组包括管风琴、cembalo、琵琶、theorbo和竖琴； 在二楼。 2世纪，其中的工具数量急剧减少。 在巴赫、亨德尔、法国作曲家的时代。 古典主义仅限于键盘乐器（在教堂音乐中 – 一种管风琴，与 cembalo 交替出现，在世俗类型中 – 一个或两个 cembalos，有时是歌剧中的 theorbo）和贝司 – 大提琴，低音提琴（Violono），通常是巴松管。

对于 O. 1 楼。 17世纪的特点是成分不稳定，由多种原因引起。 其中之一是对文艺复兴传统在乐器的选择和分组方面的修改。 仪器已彻底更新。 他们离开了音乐。 琵琶、小提琴的练习，被小提琴取代——音调更强的乐器。 轰炸最终让位于由低音长笛发展而来的巴松管和由高音管重建的双簧管。 锌没了。 纵向凹槽被横向凹槽取代，其声功率超过它们。 tessitura 品种的数量有所减少。 然而，这个过程甚至在 18 世纪也没有结束。 例如，小提琴短笛、大提琴短笛等弦乐，以及琵琶、viola da gamba、viol d'amour等，经常出现在巴赫管弦乐队中。

Dr. 作品不稳定的原因是 adv 中工具的随机选择。 歌剧院或大教堂。 通常，作曲家不是为普遍接受的、稳定的作品创作音乐，而是为 O. 定义的作品创作音乐。 剧院或私人。 教堂。 在一开始的时候。 17世纪时，乐谱的扉页上常常刻着：“buone da cantare et suonare”（“适合唱歌和演奏”）。 有时在乐谱或扉页上，这个剧院中出现的作品是固定的，就像他为宫廷写的蒙特威尔第的歌剧奥菲欧 (1607) 的乐谱一样。 曼图亚剧院。

改变与新美学相关的工具。 请求，促成了内部的变化。 组织 O. 逐渐稳定的兽人。 作品主要沿着现代起源的路线进行。 我们兽人的概念。 一个结合了音色和动态相关乐器的组。 特性。 音色同质的弓弦组（不同尺寸的小提琴）的区分主要发生在演奏实践中（1610 年在巴黎弓弦歌剧“国王的 24 把小提琴”中首次出现）。 1660-85 年，查理二世皇家礼拜堂根据巴黎模式在伦敦组织起来——一种由 24 把小提琴组成的乐器。

没有小提琴和琵琶的弦乐组（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）的结晶是 17 世纪歌剧最重要的征服，这主要体现在歌剧的创造力上。 珀塞尔的歌剧《狄多和埃涅阿斯》（1689）是为带有连奏的弓竖琴而写的； 添加了三种管乐器——Lully 的 Cadmus 和 Hermione（1673 年）。 木管乐器和铜管乐队尚未在巴洛克正统中形成，尽管除了单簧管（长笛、双簧管、巴松管）之外，所有主要的木管乐器都已被引入 O。在 JB Lully 的乐谱中，管乐三重奏经常列出：2 个双簧管（或 2 个长笛）和一个巴松管，在 F. Rameau 的歌剧（“Castor and Pollux, 1737”）中是一组不完整的木管乐器：长笛、双簧管、巴松管。 在巴赫的管弦乐队中，他对 17 世纪的乐器有着内在的吸引力。 管乐器的选择也受到影响：双簧管的老品种 - oboe d`amore、oboe da caccia（现代英国号角的原型）与巴松管或 2 个长笛和一个巴松管组合使用。 铜管乐器的组合也从文艺复兴类型的合奏（例如，Scheidt 的《圣器协奏曲》中的锌和 3 个长号）发展到当地的铜管打击乐器组（巴赫的 Magnificat 中的 3 个小号和定音鼓，他自己的康塔塔中的 3 个带有定音鼓和圆号的小号第 205 号）。 数量。 O.当时的构图还没有成型。 字符串。 该组有时很小且不完整，而管乐器的选择通常是随机的（见表1）。

从一楼。 1世纪进行了划分。 与音乐的社会功能、表演地点、听众有关的作品。 将作品分为教堂、歌剧和音乐会也与教堂、歌剧和室内风格的概念有关。 每一首曲子的乐器选择和数量仍然有很大的波动。 尽管如此，歌剧（亨德尔的清唱剧也在歌剧院演出）往往比音乐会更充满管乐器。 与差异有关。 在情节场景中，除了弦乐、长笛和双簧管、小号和定音鼓，长号经常出现在其中（在蒙特威尔第的奥菲斯的地狱场景中，使用了锌和长号的合奏）。 偶尔会引入一个小长笛（亨德尔的“Rinaldo”）； 在 18 世纪下半叶。 一个喇叭出现。 去教堂。 O. 必然包括一个管风琴（在连奏组中或作为协奏乐器）。 去教堂。 O. 同上。 巴赫以及弦乐、木管乐器（长笛、双簧管），有时还有带有定音鼓、圆号、长号的管乐器，以及合唱团的声音（康塔塔第 17 号），经常出现。 就像在教堂里一样，在歌剧 O. 生物中也是如此。 该角色由伴随独唱的专用（见专用）乐器演奏：小提琴、大提琴、长笛、双簧管等。

O. 的音乐会组成完全取决于演奏音乐的地点和性质。 为庆祝。 副词。 巴洛克式的仪式（加冕礼、婚礼）、在大教堂中以及礼仪。 音乐响起。 由法院演奏的音乐会和大张旗鼓。 音乐家。

世俗的私人。 音乐会在歌剧院和露天举行——化装舞会、游行、烟花、“水上”，以及家庭城堡或宫殿的大厅。 所有这些类型的音乐会都需要 27 月。 作品 O. 和表演者的数量。 在亨德尔的“烟花音乐”中，于 1749 年 56 月 9 日在伦敦绿色公园演出，仅管风和打击乐（最少 9 种乐器）； 在音乐会版本中，一个月后在育婴医院演出的作曲家，除了 24 个小号、12 个圆号、6 个双簧管、1721 个巴松管、打击乐器外，还使用了弦乐器。 在实际开发中浓缩。 O. 巴洛克时代的大协奏曲、独奏协奏曲、兽人等流派发挥了最大的作用。 套房。 作曲家对可用的——通常很小的——作曲的依赖在这里也很明显。 然而，即使在这个框架内，作曲家也经常设置与谐音-复音音乐会的室内风格相关的特殊演奏家和音色任务。 基础。 这些是巴赫的 XNUMX 首勃兰登堡协奏曲（XNUMX 年），每首协奏曲都有独奏者和演奏者的个性化作品，巴赫准确列出了这些协奏曲。 在某些情况下，作曲家表示 decomp。 随意组合的变体（A. Vivaldi）。

生物。 巴洛克时期管弦乐队的结构受到多合唱音乐的立体声（现代意义上的）原则的影响。 声音空间并置的想法在 17 世纪被采用。 从合唱团。 16世纪的对调复调。 几个合唱团的位置。 和指示。 大型大教堂合唱团中的小教堂创造了空间划分声音的效果。 这种做法开始在威尼斯的圣马可大教堂广泛使用，G. Gabrieli 工作的地方，她也熟悉与他一起学习的 G. Schutz，以及 S. Scheidt 和其他作曲家。 多合唱锅传统的极端体现。 这封信于 1628 年在萨尔茨堡大教堂由 O. Benevoli 演奏，这是一场节日弥撒，为此需要 8 个合唱团（根据同时代人的说法，甚至有 12 个）。 多合唱概念的影响不仅体现在邪教复调中。 音乐（巴赫的《马太受难曲》是为 2 个合唱团和 2 部歌剧写的），但也有世俗体裁。 大协奏曲的原则是将整个表演者群体分成两个不等的小组进行表演。 功能： 协奏曲——独奏组和大协奏曲（大协奏曲）——伴奏组，也用于O. oratorio，歌剧（Handel）。

1600-1750 年期间 O. 音乐家的性格反映了上述所有趋势。 就 18 世纪理论家给出的图表和版画让我们判断，O. 音乐家的位置与后来使用的位置有很大不同。 歌剧院的音乐家住宿，浓。 大厅或大教堂需要单独的解决方案。 歌剧的中心是乐队指挥的 chambalo 和位于它附近的弦贝司——大提琴和低音提琴。 乐队指挥的右边是弦乐。 左边的乐器——管乐器（木管乐器和喇叭），收集在第二个附近，伴随着 cembalo。 琴弦也位于此处。 basses, theorbo, bassoons，与第二个 cembalo 一起构成了 continuo 组。

18 世纪歌剧管弦乐队中音乐家的位置。 （摘自书籍：Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, p. 134）。

在深度（右侧）可以放置管道和定音鼓。 在音乐会作曲中，独奏者在乐队指挥附近的前景中，这有助于平衡响度。 这种座位安排的特殊性是乐器的功能组合，这些乐器形成了几个空间分离的声音复合体：2 个连续音组，协奏曲中的一个协奏曲组，有时在歌剧中，2 个大对比组（弦乐，木制）围绕 2 个 cembalos . 这样的结构需要多级管理。 部分表演者跟随伴奏的 chambalo，O. 整体跟随乐队指挥的 chambalo。 双重控制的方法也被广泛使用（见传导）。

A、二楼。 2 - 求。 18 世纪 O. 这个时期，涵盖了这样的分解。 文体现象，如维也纳古典学派、浪漫主义、克服浪漫主义。 趋势，印象派和许多彼此不同，谁有自己的。 然而，国立学校的演变以一个共同的过程为特征。 这就是兽人的发展。 装置，与基于谐音谐波的垂直纹理清晰划分密不可分。 思维。 它在兽人的功能结构中找到了表达。 织物（突出旋律、低音、持续和声、兽人踏板、对位、形象化的功能）。 这一过程的基础是在维也纳缪斯时代奠定的。 经典。 到最后，一个兽人被创造出来了。 仪器（无论是在乐器的组成方面还是在内部功能组织方面），它成为了俄罗斯浪漫主义者和作曲家进一步发展的起点。 学校。

成熟最重要的标志是谐音泛音。 兽人的趋势。 音乐思维——在第三季度逐渐消亡。 3 世纪连续低音乐队 cembalo 和管风琴的伴随功能与兽人本身日益增长的作用发生冲突。 和谐。 越来越多的外星兽人。 同时代人还想象大键琴的音色发声。 尽管如此，在一种新的流派——交响乐中——演奏低音连奏（chembalo）功能的键盘乐器仍然相当普遍——在曼海姆学派的一些交响曲中（J. Stamitz、A. Fils、K. Cannabih），在早期J. 海顿的交响曲。 去教堂。 在音乐中，通奏低音功能一直延续到 18 年代。 90世纪（莫扎特的安魂曲，海顿的弥撒）。

在维也纳经典作曲家的作品中。 学校正在重新考虑 O. 从一开始就将其划分为教堂、剧院和室内乐作品。 19 世纪的“教堂 O”一词。 实际上已经被废弃了。 “房间”这个词开始被用于乐团，与兽人相对。 表现。 与此同时，歌剧的歌剧和音乐会合奏之间的区别变得非常重要。 如果歌剧 O. 的组成已经是 18 世纪。 以工具的完整性和多样性为特征，然后是实际浓度。 作品以及交响曲和独奏协奏曲本身的体裁都处于起步阶段，仅以贝多芬为结尾。

O. 作品的结晶与仪器的更新并行进行。 在二楼。 2世纪由于美学的变化。 来自音乐的理想。 做法消失了。 乐器——theorbos、viols、双簧管、纵向长笛。 设计了新的乐器，丰富了 O 的音色和 tessitura 音阶。18 年代歌剧中无处不在。 80 世纪收到了由 I. Denner 设计（约 18 年）的单簧管。 将单簧管引入交响乐。 O. 以开头结束。 1690世纪形成了木质精神。 团体。 巴塞特号（corno di bassetto）是单簧管的一种中音变种，在短暂的繁荣时期幸存下来。 寻找低落的精神。 低音作曲家转向了低音大管（海顿的清唱剧）。

在二楼。 2世纪的作曲家仍然直接依赖于O的可用作曲。通常是早期古典的作曲。 O. 18-1760 年代。 减少到 70 个双簧管、2 个喇叭和弦乐。 它在欧洲没有统一。 O. 和弦内乐器的数量。 团体。 副词。 O.，在克罗姆有超过 2 根琴弦。 仪器，被认为是大的。 不过，它在二楼。 12 世纪与音乐的民主化有关。 生活中，对稳定的 O. 成分的需求越来越大。 此时，新常数 O., pl。 其中后来广为人知：巴黎的 O.“精神音乐会”（精神音乐会），莱比锡的 O. Gewandhaus（2 年），巴黎音乐学院的 O. Ob-va 音乐会（18 年）。 （见表 1781）

在俄罗斯，创建 O. 的第一步仅在下半场采取。 2 世纪 17 年，与 adv 的创作有关。 t-ra 被邀请到莫斯科。 音乐家。 在一开始的时候。 1672 世纪彼得一世将军团音乐引入俄罗斯（参见军乐）。 在 18 年代。 30世纪的俄罗斯剧院和音乐会生活在院子里发展。 18 年，第一个法院的州在圣彼得堡成立。 O.，由外国组成。 音乐家（和他一起的还有俄罗斯学生）。 管弦乐队包括弦乐、长笛、巴松管、没有长号的铜管乐队、定音鼓和古钢琴（最多 1731 人）。 40 年，一位意大利人被邀请到圣彼得堡。 一个由 F. Araya 领导的歌剧团，俄罗斯人在 O. adv. 中演出。 音乐家。 在二楼。 1735 世纪O. 被分为 2 组：“第一个 O. 的相机音乐家”。 （根据州 18-2 人，伴奏 K. Canobbio）和“第二个 O. 音乐家是同一个舞厅”（1791 人，伴奏 VA Pashkevich）。 第一个 O. 几乎完全由外国人组成，第二个 - 来自俄罗斯人。 音乐家。 农奴很普遍； 其中一些非常专业。 NP Sheremetev 的管弦乐队（Ostankino 和 Kuskovo 的庄园，47 位音乐家）享有盛誉。

在交响乐中。 L. 贝多芬的作品最终将“古典”或“贝多芬式”的交响乐作品具体化。 A：弦乐，木管乐器的成对组合（2 个长笛、2 个双簧管、2 个单簧管、2 个巴松管）、2 个（3 或 4 个）圆号、2 个小号、2 个定音鼓（在 2 世纪下半叶被归类为小型组成符号 O.)。 凭借第九交响曲（19 年），贝多芬为大型（现代意义上的）交响乐作品奠定了基础。 A：弦乐、木管乐器与附加乐器组合（9 个长笛和一个小长笛、1824 个双簧管、2 个单簧管、2 个巴松管和低音管）、2 个圆号、2 个小号、4 个长号（首次用于第五交响曲的结尾）、定音鼓、 三角、 钹、 大鼓。 几乎是同时。 (2) F. Schubert 的“未完成交响曲”中也使用了 3 个长号。 在 5 世纪的歌剧中。 与舞台情况有关的包括未包括在 conc. 中的乐器。 符号A的组成：短笛、低音大管。 在打击乐组中，除了定音鼓外，还带着节奏。 功能，出现了一种持久的联想，最常用于东方剧集（所谓的土耳其或“Janissary 音乐”）：低音鼓，钹，三角，有时是小鼓（Gluck 的“Iphigenia in Tauris”，“The莫扎特从后宫绑架）。 在部门的某些情况下，钟声出现（Glcckenspiel，莫扎特的魔笛），tam-toms（戈塞卡的米拉波之死葬礼进行曲，1822）。

19 世纪的前几十年。 以精神的彻底改善为标志。 消除了错误语调，缺乏半音等缺点的乐器。 铜管乐器的音阶。 长笛，以及后来的其他木制烈酒。 这些乐器配备了阀门机构（T. Boehm 的发明），天然号角和管道配备了阀门机构，这使得它们的音阶有彩色。 在 30 年代。 A. Sachs 改进了低音单簧管并设计了新乐器（萨克斯管、萨克斯管）。

浪漫主义为 O. 的发展提供了新的动力。 随着节目音乐的百花齐放，风光无限。 元素在歌剧中，对兽人的搜寻脱颖而出。 色彩和戏剧。 音色表现力。 与此同时，作曲家（KM Weber、P. Mendelssohn、P. Schubert）最初仍停留在歌剧组合的框架内（在歌剧中涉及品种：小长笛、英国圆号等）。 经济地使用 O. 的资源是 MI Glinka 固有的。 Coloristic 他的 O. 的财富是在弦乐的基础上实现的。 风组和对（带有附加仪器）； 他将长号连接到喇叭和管子上（3 个，很少 1 个）。 G. Berlioz 在使用 O. 的新可能性方面迈出了决定性的一步。随着对戏剧、声音规模的需求增加，Berlioz 显着扩展了 O. 在 Fantastic Symphony（1830 年）中的组成，他增加了弦乐。 组，准确指出乐谱中演奏者的数量：至少 15 把第一小提琴和 15 把第二小提琴、10 把中提琴、11 把大提琴、9 把低音提琴。 在这个操作中。 结合他强调的可编程性，作曲家摆脱了以前对歌剧和音乐会的严格区分。 通过输入符号组成。 O. 颜色很特别。 计划工具，如英语。 喇叭，小单簧管，竖琴（2），铃铛。 铜组的大小增加了，除了 4 个喇叭、2 个小号和 3 个长号外，还包括 2 个短号活塞和 2 个 ophicleides（后来被大号取代）。

R. Wagner 的作品成为 O. Koloristich 历史上的一个时代。 寻找和努力争取已经在洛恩格林的纹理密度导致了兽人的增加。 最多三重组合（通常是 3 个长笛或 2 个长笛和一个小长笛、3 个双簧管或 2 个双簧管和一个英国圆号、3 个单簧管或 2 个单簧管和低音单簧管、3 个巴松管或 2 个巴松管和低音巴松管、4 个圆号、3 个小号， 3 长号、低音大号、鼓、弦乐）。 1840年代完成了现代的形成。 铜组，包括 4 个圆号、2-3 个小号、3 个长号和一个大号（瓦格纳在浮士德序曲和歌剧 Tannhäuser 中首次引入）。 在“尼伯龙之戒”中，O. 成为了缪斯中最重要的成员。 戏剧。 音色在主旋律特征中的主导作用和对戏剧的追寻。 表达和动态。 声音的力量促使作曲家在 O. 中引入了独特的音色音阶（通过添加 tessitura 各种木制管乐器和管道）。 因此，O. 的组成增加到四倍。 瓦格纳用他的命令设计的四重奏法国号（或“瓦格纳”）大号加强了铜组（见大号）。 作曲家对演奏兽人技巧的要求急剧增加。 音乐家。

瓦格纳勾勒的道路（部分由 A.布鲁克纳在交响乐流派中延续）并不是唯一的一条。 同时在 I. Brahms、J. Bizet、S. Frank、G. Verdi 等俄罗斯作曲家的作品中。 学校正在进一步发展“古典”管弦乐，并重新思考一些浪漫主义。 趋势。 在 PI Tchaikovsky 的管弦乐队中，寻找心理。 音色的表现力与极其经济的 ork 使用相结合。 资金。 拒绝扩张兽人。 交响曲中的乐器（成对作曲，通常包括 3 支长笛），作曲家只在节目作品中，在后来的歌剧和芭蕾舞剧中转向了补充。 兽人的颜色。 调色板（例如《胡桃夹子》中的英国圆号、低音单簧管、竖琴、钢片）。 在 NA Rimsky-Korsakov 的工作中，其他任务非常棒。 着色、视觉效果促使作曲家广泛使用（不超出对三重和三重组合）O.K 补充的主要和特征音色。 乐器中增加了小型单簧管、中音变种的长笛和小号，增加了带有装饰和装饰功能的打击乐器的数量，引入了键盘（根据 Glinka 传统 – fp. 以及风琴）。 NA Rimsky-Korsakov对管弦乐队的解释，被俄罗斯人采用。 年轻一代的作曲家（AK Glazunov、AK Lyadov、IF Stravinsky 在创作初期）在兽人领域产生了影响。 颜色和西欧的作品。 作曲家——O. Respighi、M. Ravel。

在 20 世纪音色思维的发展中发挥了重要作用。 C.德彪西的管弦乐队演奏。 对颜色的日益关注导致主题的功能转移到单独的。 动机或纹理背景和色彩。 面料元素，以及对fonich的理解。 侧面 O. 作为外形尺寸。 这些倾向决定了兽人的细微差别。 发票。

瓦格纳倾向的进一步发展导致了 19-20 世纪的边缘。 在许多作曲家（G. Mahler、R. Strauss；Mlada 中的 Rimsky-Korsakov、AN Scriabin 以及 The Rite of Spring 中的 Stravinsky）的作品中形成了所谓的超级管弦乐队——与O. Mahler 和 Scriabin 的四重奏曲以宏大的管弦乐曲来表达他们的世界观。 概念。 这种趋势的顶峰是表演者。 马勒第八交响曲的作曲（8个独奏家、8个混合合唱团、男童合唱团、2部大型交响曲O.加筋弦乐、大量打击乐器和装饰乐器，以及一个管风琴）。

19世纪的打击乐器并没有形成稳定的协会。 到 20 世纪初，打击乐装饰团体明显扩大。 除了定音鼓，它还包括一个大鼓和军鼓、一个手鼓、钹、三角鼓、响板、通鼓、铃铛、钟琴、木琴。 竖琴（1 和 2）、celesta、pianoforte 和风琴通常包含在大 O. 中，不太常见 - “场合的乐器”：拨浪鼓、风力机、隔板等。在中间。 和骗局。 19世纪新的兽人继续形成。 乐团：纽约爱乐乐团（1842）； 巴黎管弦乐团（1873 年）； 拜罗伊特瓦格纳音乐节管弦乐团（1876 年）； 波士顿交响乐团（1881）； 巴黎拉穆勒管弦乐团（1881 年）； 圣彼得堡宫廷管弦乐团（“宫廷音乐合唱团”）（1882 年；现为列宁格勒爱乐乐团的学术交响乐团）。

在 19 世纪的 O. 中，与巴洛克时期的 O. 相比，单合唱盛行。 然而，在柏辽兹的音乐中，多合唱再次找到了应用。 在柏辽兹的“安魂曲”中的 Tuba mirum 中，为一组扩大的大型交响曲而写。 O.，表演者分为5组：交响乐。 O.和4组铜制仪器位于寺庙的角落。 在歌剧中（从莫扎特的唐璜开始）也出现了这样的趋势：O.“舞台上”、“舞台后”、歌手的声音和指导员的声音。 独奏“舞台后面”或“楼上”（瓦格纳）。 空间的多样性。 表演者的安置在 G. Mahler 的管弦乐队中得到了发展。

在二楼音乐家 O. 的座位安排中。 2世纪甚至18世纪。 部分保留的是音色复合体的分解和分离，这是巴洛克 O. 的特征。然而，IF Reichardt 早在 19 年就提出了新的座位原则，其本质是音色的混合和合并。 第一把和第二把提琴分别位于指挥的左右并排成一行，中提琴被分成两部分组成下一行，即精神。 工具被深深地放在他们身后。 在此基础上，后来出现了兽人的位置。 音乐家，分布在 1775 楼和 19 楼。 1世纪并随后获得了“欧洲”座位安排的名称：第一把小提琴——在指挥的左边，第二把——在右边，中提琴和大提琴——在他们后面，木管乐器——在指挥的左边，黄铜– 向右（在歌剧中）或两行：首先是木制的，在他们后面 – 铜（在音乐会中），后面 – 鼓，低音提琴（见上图）。

O. 在 20 世纪。 （在第一次世界大战 1-1914 之后）。

20世纪提出了新的表演形式。 练习O。随着传统。 广播电视歌剧和演播室歌剧以歌剧和音乐会的形式出现。 然而，广播与歌剧和交响音乐会的区别，除了功能上的区别外，仅在于音乐家的座位安排。 交响乐曲。 世界上最大城市的城市几乎完全统一。 尽管分数继续表明 Op. 的最小字符串数。 也可以由较小的 O. 演奏，大型交响曲。 O. 20 世纪涉及一个由 80-100 名（有时更多）音乐家组成的团队。

在 20 世纪，O 成分的 2 条演化路径结合在一起。 其中之一与传统的进一步发展有关。 大符号。 A. 作曲家继续转向双人作曲（P. Hindemith，“Artist Mathis”，1938 年；DD 肖斯塔科维奇，第 15 号交响曲，1972 年）。 一个很大的地方被三重组合占据，通常由于添加而扩大。 乐器（M. Ravel，歌剧“儿童与魔法”，1925 年；SV Rachmaninov，“Symphonic Dances”，1940 年；SS Prokofiev，第 6 交响曲，1947 年；DD Shostakovich，第 10 号交响曲，1953 年；V. Lutoslavsky，交响曲第 2 号，1967 年）。 通常，作曲家也会转向四重奏（A. Berg，歌剧 Wozzeck，1925；D. Ligeti，Lontano，1967；BA Tchaikovsky，第 2 交响曲，1967）。

与此同时，伴随着 20 世纪初新的思想和风格趋势，室内乐团应运而生。 在许多症状中。 和炒锅。 作品仅使用大型交响乐的部分作品。 O. - 所谓的。 O 的非规范或个性化组成。例如，在斯特拉文斯基的“诗篇交响曲”（1930）中来自传统。 单簧管、小提琴和中提琴被大量没收。

20世纪打击乐团体的快速发展是其特点，to-rye宣称自己是一个成熟的兽人。 协会。 在 20-30 年代。 打。 乐器开始不仅具有节奏感、色彩感，而且还具有主题性。 功能; 它们已成为纹理的重要组成部分。 对此，鼓组首次获得独立。 符号中的意思。 O.，最初是在非规范性的 O. 和分庭组成中。 例如斯特拉文斯基的《士兵的故事》（1918 年），巴托克的《弦乐、打击乐和塞莱斯塔音乐》（1936 年）。 出现了以打击乐为主或专门为他们演奏的作品：例如，斯特拉文斯基的 Les Noces（1923 年），除了独奏家和合唱团外，还包括 4 架钢琴和 6 个打击乐组； Varèse（1931 年）的“Ionization”仅适用于打击乐器（13 位演奏者）。 打击乐组以未定义的乐器为主。 音高，其中相同类型的不同乐器（一组大鼓或钹，锣，木块等）已经普及。 所有 R.，尤其是 2 楼。 20世纪的打击。 该组在规范（Messiaen 的“Turangalila”，1946-48 年）和 O 的非规范组合（奥尔夫的“Antigone”，1949 年；“Colors of the天堂之城”，梅西安钢琴独奏，3 支单簧管，3 支木琴和金属打击乐器，1963 年；Penderecki 的卢克激情，1965 年）。 系内的打击乐组本身也有所增加。 1961 年，在斯特拉斯堡举办了一场特别活动。 打击乐合奏（140 种乐器和各种发声对象）。

丰富 O. 的音色音阶的愿望导致了偶发性。 包含在符号中。 O.电动工具。 例如 1928 年构建的“马特诺波”（A. Honegger，“圣女贞德”，1938 年；O. Messiaen，“Turangalila”），电子（K. Stockhausen，“Prozession”，1967 年），离子学（ B. Tishchenko，第一交响曲，1）。 正在尝试在 1961-60 年代在 O.. 中加入爵士乐作品。 磁带录音开始作为声音的组成部分之一被引入 O. 的设备中（EV Denisov，The Sun of the Incas，70）。 K. Stockhausen (Mixtur, 1964) 将 O. 组合的这种扩展定义为“带电电子产品”。 伴随着对交响乐音色更新的渴望。 O. 有复兴工具和 otd 的趋势。 O.巴洛克的原则。 从 1964 世纪第一季度开始，双簧管（C. Debussy，“Spring Dances”；M. Ravel，“Bolero”），巴塞特号（R. Strauss，“Electra”），viol d'amour（G. Puccini， “Chio-Chio-san”；SS Prokofiev，“罗密欧与朱丽叶”）。 与 1 世纪的修复有关。 文艺复兴时期的音乐工具和 20-20 世纪的工具并没有被忽视。 （M. Kagel，“文艺复兴乐器的音乐”，15 年；涉及 16 位表演者，A. Pärt，“Tintinnabuli”，1966 年）。 在 O. 23 世纪。 发现反射和方差组成的原理。 通道。 艾夫斯在剧作 The Question Left Unanswered (1976) 中使用了 O. 部分组成的变化。 L. Kupkovich 的 Ozveny 中规定了分数规定的 O. 组内的自由选择组合。 O的立体声概念得到了进一步发展。 O. 空间划分的第一个实验属于 Ives（“未回答的问题”，第四交响曲）。 在 20 年代。 多个声源是通过diff实现的。 方法。 整个兽人的分裂。 K. Stockhausen 使用了几个“合唱团”或“组”的质量（与以前不同——不是音色，而是空间意义）（“Groups”代表 1908 O.，4；“Kappe”代表 70 O. 和合唱, 3)。 O的组成。“组”（1957人）分为三个相同的复合体（每个复合体都有自己的导体），排列成U形； 听众的座位位于管弦乐队之间形成的空间中。 4. 马图斯在歌剧 The Last Shot（1960 年，根据 BA Lavrenyov 的故事 The Forty-First）中使用了三个位于兽人中的 O.。 坑，在观众后面和舞台后面。 J. Xenakis 在“Terretektor”（109 年）中将一个大型交响乐团的 3 位音乐家以射线状的方式放置在与中心指挥相关的位置； 观众不仅站在 O. 周围，而且还站在控制台之间，与音乐家混在一起。 M. Kagel (1967) 的“Klangwehr”和 AG Schnittke (1966) 的第二交响曲中使用了“移动立体声”（演奏过程中音乐家使用乐器的动作）。

表3。

使用时为 O. 音乐家提供个性化的座位安排。 同上。 非规范成分； 在这些情况下，作曲家会在乐谱中做出适当的指示。 在正常使用 O. 作为 1 楼的单个 monochoric 复合体期间。 20 世纪存在上述“欧洲”座位安排。 自 1945 年起，由 L. Stokowski 引入的所谓“所谓”系统开始被广泛采用。 阿米尔。 座位。 第一和第二小提琴在指挥的左边，大提琴和中提琴在右边，低音提琴在后面，管乐器在中间，在弦的后面，鼓，钢琴演奏者在左边。

在高音域“Amer”中提供更稳固的弦乐声音。 在一些指挥家看来，座位安排并非没有，因此被拒绝了。 侧面（例如，削弱彼此远离的大提琴和低音提琴的功能接触）。 在这方面，有恢复“欧洲”位置的音乐家O.交响乐作品的倾向。 O. 在演播室条件（广播、电视、录音）中提出了一些细节。 座位要求。 在这些情况下，声音平衡不仅由指挥调节，还由调音师调节。

O. 在 20 世纪所经历的非常激进的变化证明了他仍然是一个活生生的创造力工具。 作曲家的意愿，并继续在其规范和更新（非规范）的作品中取得丰硕的成果。

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IA巴尔索娃