谢尔盖·列昂尼多维奇·多伦斯基 |

谢尔盖·多伦斯基

Sergei Leonidovich Dorensky 说他从小就被灌输了对音乐的热爱。 他的父亲是当时著名的摄影记者，他的母亲都无私地热爱艺术； 在家里他们经常演奏音乐，男孩去看歌剧，去听音乐会。 九岁时，他被带到莫斯科音乐学院的中央音乐学校。 父母的决定是正确的，日后得到证实。

他的第一位老师是莉迪亚·弗拉基米罗夫娜·克拉森斯卡娅。 然而，从四年级开始，谢尔盖·多伦斯基就有了另一位老师，格里高利·罗曼诺维奇·金茨堡成为他的导师。 多伦斯基的所有其他学生传记都与金茨堡有关：在他的指导下在中央学校学习了六年，在音乐学院学习了五年，在研究生院学习了三年。 “那是一段难忘的时光，”多伦斯基说。 “金斯伯格被人们铭记为一位出色的音乐会演奏家； 不是每个人都知道他是什么样的老师。 他如何在课堂上展示正在学习的作品，他如何谈论它们！ 在他身边，不可能不爱上钢琴，爱上钢琴的音色，爱上钢琴技术的迷人奥秘……有时他的工作很简单——他坐在乐器旁弹奏。 我们，他的弟子，近距离观察一切。 他们仿佛从幕后看到了一切。 没有其他要求。

……格里高利·罗曼诺维奇是一个温柔、细腻的人，——多伦斯基继续说道。 ——但如果有什么不适合他作为音乐家的地方，他可能会发火，严厉批评学生。 最重要的是，他害怕虚假的悲哀和戏剧性的浮夸。 他教我们（在金茨堡和我一起学习过 Igor Chernyshev、Gleb Akselrod、Alexei Skavronsky 等有天赋的钢琴家）在舞台上的谦虚、简单和清晰的艺术表达。 我要补充一点，格里高利·罗曼诺维奇（Grigory Romanovich）不能容忍课堂上表演作品的外部装饰中的最轻微缺陷——我们因此类罪过而受到重创。 他既不喜欢过快的节奏，也不喜欢隆隆的响声。 他完全不承认夸张……例如，我仍然从弹钢琴和中低音中获得最大的乐趣——我从小就有这种感觉。

多伦斯基在学校深受喜爱。 他生性温和，立即受到周围人的喜爱。 对他来说很简单：他身上没有一丝狂妄自大，没有一丝自负，这恰好在成功的艺术青年中找到。 时候到了，过了青春期的多伦斯基将出任莫斯科音乐学院钢琴系主任。 岗位负责，很多方面都很难。 必须直截了当地说，正是新院长的人性品质——善良、简单、反应迅速——将帮助他在这个角色中确立自己的地位，赢得同事的支持和同情。 他激发了同学们的同情。

1955 年，多伦斯基在一场国际表演音乐家比赛中首次尝试。 在华沙，在第五届世界青年和学生节上，他参加了钢琴比赛并获得一等奖。 开始了。 1957 年，在巴西举行了一场器乐比赛，继续进行。多伦斯基在这里获得了真正的广泛欢迎。 应该指出的是，他受邀参加的巴西青年表演者锦标赛实质上是拉丁美洲的第一次此类活动。 自然，这引起了公众、媒体和专业界的更多关注。 多伦斯基表演成功。 他获得二等奖（奥地利钢琴家亚历山大·恩纳获得一等奖，三等奖授予米哈伊尔·沃斯克列森斯基）； 从那时起，他在南美观众中获得了稳固的人气。 他将不止一次回到巴西——既是一名音乐会演奏家，也是一名在当地钢琴青年中享有权威的教师； 在这里，他将永远受到欢迎。 例如，巴西一份报纸的台词是有症状的：“……在所有与我们一起演出的钢琴家中……没有人像这位音乐家那样引起公众如此多的同情，如此一致的喜悦。 谢尔盖·多伦斯基有着深厚的直觉和音乐气质，这使他的演奏具有独特的诗意。 （互相了解//苏联文化。1978 年 24 月 XNUMX 日）.

在里约热内卢的成功为多伦斯基登上了世界许多国家的舞台开辟了道路。 巡演开始：波兰、东德、保加利亚、英国、美国、意大利、日本、玻利维亚、哥伦比亚、厄瓜多尔……与此同时，他在家乡的表演活动也在扩大。 从表面上看，多伦斯基的艺术道路看起来相当不错：钢琴家的名字越来越受欢迎，他没有明显的危机或崩溃，媒体对他有好感。 尽管如此，他本人认为五十年代末——六十年代初是他舞台生涯中最艰难的时期。

“我生命中的第三次，也是最后一次，也许是最艰难的‘竞争’已经开始——争取独立艺术生活的权利。 前者更容易； 这种“竞争”——长期、持续、有时令人筋疲力尽……——决定了我是否应该成为一名音乐会表演者。 我立即遇到了一些问题。 主要是—— 这 玩？ 结果证明曲目很小。 在这些年的学习中，没有多少人被招募。 急需补充，在密集的爱乐练习条件下，这并不容易。 这是事情的一方面。 其他 as 玩。 以旧的方式，这似乎是不可能的——我不再是一名学生，而是一名音乐会艺术家。 那么，以一种新的方式玩是什么意思， 不同我没有把自己想象得很好。 像许多其他人一样，我从根本上错误的事情开始——寻找一些特殊的“表达方式”，更有趣、更不寻常、更明亮等等……很快我就注意到我走错了方向。 你看，这种表现力是从外部带入我的游戏的，可以说是从外部引入的，但它需要来自内部。 我记得我们出色的导演 B. Zakhava 的话：

“……表演形式的决定总是深藏在内容的最底层。 要找到它，你需要潜到最底层——在水面上游泳，你什么也找不到” （Zakhava 是演员和导演的技能。- M.，1973。P. 182。）. 对于我们这些音乐人来说也是如此。 随着时间的推移，我很好地理解了这一点。

他必须在舞台上找到自己，找到他创造性的“我”。 他设法做到了。 首先，感谢人才。 但不仅如此。 应该指出的是，尽管他内心单纯，灵魂宽广，但他从未停止过完整的、精力充沛的、始终如一的、勤奋的天性。 这最终为他带来了成功。

首先，他决定在最接近他的音乐作品圈子里。 “我的老师 Grigory Romanovich Ginzburg 相信几乎每个钢琴家都有自己的舞台“角色”。 总的来说，我持有类似的观点。 我觉得在学习的过程中，我们作为表演者，应该尽可能多地覆盖音乐，尽可能地重放一切……未来，随着真正的音乐会和表演实践的开始，一个人应该只上舞台最成功的。 在他的第一场演出中，他确信他在贝多芬的第六、第八、三十一首奏鸣曲、舒曼的狂欢节和奇妙的片段、玛祖卡、夜曲、练习曲和肖邦的一些其他作品、李斯特的康帕内拉和李斯特改编的舒伯特歌曲中最成功，柴可夫斯基的G大调奏鸣曲和四个季节，拉赫玛尼诺夫的帕格尼尼主题狂想曲和巴伯的钢琴协奏曲。 很容易看出，Dorensky 不喜欢某个曲目和风格层次（例如，经典 – 浪漫 – 现代性……），而是某些 团体 作品中他的个性最充分地展现出来。 “格里戈里·罗曼诺维奇（Grigory Romanovich）教导说，一个人应该只演奏给表演者一种内在舒适感的东西，“适应”，正如他所说，即与作品、乐器完全融合。 这就是我试图做的……”

然后他找到了自己的表演风格。 其中最明显的是 抒情的开始. （一个钢琴家通常可以通过他对艺术的同情来判断。Dorensky 在他最喜欢的艺术家中的名字，在 GR Ginzburg、KN Igumnov、LN Oborin、Art. Rubinstein、来自年轻的 M. Argerich、M. Pollini 之后，这个列表本身就是指示性的.) 批评指出了他游戏的柔和，诗意语调的真诚。 与许多其他钢琴现代性的代表不同，多伦斯基并没有表现出对钢琴托卡托领域的特殊倾向。 作为一名音乐会表演者，他既不喜欢“铁”的声音结构，也不喜欢强音的雷鸣般的声音，也不喜欢手指运动技能干涩而尖锐的唧唧声。 经常听他演唱会的人保证，他这辈子从来没有记过一个硬音符……

但从一开始，他就表明自己是一位天生的音乐大师。 他展示了他可以用塑料声音模式来吸引人。 我发现了一种对柔和、银色彩虹钢琴色的品味。 在这里，他成为了原始俄罗斯钢琴演奏传统的继承人。 “Dorensky 有一架漂亮的钢琴，有许多不同的色调，他巧妙地使用了这些钢琴”（Modern pianists. – M., 1977. P. 198.），评论家写道。 他年轻的时候也是这样，现在也是。 他还以精妙、圆润的乐句而著称：他的演奏可以说是装饰着优雅的声音小插曲，流畅的旋律曲线。 （在类似的意义上，他今天也演奏了。）也许，多伦斯基在任何方面都没有像金茨堡的学生那样表现出自己，因为他熟练而仔细地打磨了声线。 如果我们回想一下他之前所说的话，也就不足为奇了：“格里高利·罗曼诺维奇不能容忍课堂上表演的作品的外部装饰有最轻微的缺陷。”

这些是多伦斯基艺术肖像的一些笔触。 它最让你印象深刻的是什么？ 曾几何时，托尔斯泰喜欢重复：一件艺术品要想值得人们尊重和喜欢，就必须 非常好，直奔艺术家的内心。 认为这仅适用于文学或戏剧是错误的。 这与音乐表演艺术有着同样的关系。

与莫斯科音乐学院的许多其他学生一起，多伦斯基为自己选择了与表演并行的另一条道路——教育学。 像许多其他人一样，多年来，他越来越难以回答这个问题：这两条道路中的哪一条已成为他生命中的主要道路？

他从 1957 年开始教青年。如今，他已经有 30 多年的教学经验，他是音乐学院杰出、受人尊敬的教授之一。 他如何解决这个古老的问题：艺术家是老师？

“老实说，难度很大。 事实上，这两个职业都需要一种特殊的创作“模式”。 当然，随着年龄的增长，经验也随之而来。 许多问题更容易解决。 虽然不是全部......我有时想知道：对于那些专长于教音乐的人来说，最大的困难是什么？ 显然，毕竟 - 做出准确的教学“诊断”。 换句话说，“猜测”学生：他的个性、性格、专业能力。 并相应地与他建立所有进一步的工作。 FM Blumenfeld、KN Igumnov、AB Goldenweiser、GG Neuhaus、SE Feinberg、LN Oborin、Ya 等音乐家。 I.扎克，是的。 五、飞人……”

总的来说，多伦斯基非常重视掌握过去杰出大师的经验。 他经常开始谈论这个——既作为学生圈子里的老师，又作为音乐学院钢琴系的院长。 至于最后一个职位，多伦斯基自 1978 年以来一直担任该职位。他在此期间得出的结论是，总体而言，这项工作符合他的喜好。 “你一直在保守的生活中，你和活着的人交流，我喜欢，我不会隐瞒。 当然，烦恼和烦恼是数不清的。 如果我觉得比较有信心，那只是因为我在所有事情上都尽量依靠钢琴系的艺术委员会：我们最权威的老师在这里团结起来，在他们的帮助下，最严重的组织和创造性问题得到了解决。

多伦斯基热情洋溢地谈论教育学。 他在这方面接触过很多，知道很多，思考过，担心过……

“我担心我们教育工作者正在对今天的年轻人进行再培训的想法。 我不想使用平庸的词“培训”，但是，老实说，你会从哪里开始呢？

但是，我们也需要了解。 今天的学生经常表演很多——在比赛、班级聚会、音乐会、考试等。而我们，就是我们，对他们的表现负有个人责任。 让某人试着把自己想象成一个学生，比如说柴可夫斯基比赛的参赛者，出来在音乐学院大会堂的舞台上演奏！ 恐怕在外人看来，如果没有亲身经历过类似的感受，你们是不会明白的……老师，我们在这里，我们努力把工作做得尽可能的彻底、健全、彻底。 结果……结果，我们越过了一些限制。 我们正在剥夺许多年轻人的创造性和独立性。 这当然是无意中发生的，没有意图的影子，但本质仍然存在。

问题是我们的宠物被各种各样的指示、建议和指示塞到了极限。 他们都 知道和理解：他们知道自己在表演的作品中需要做什么，不应该做什么，不推荐。 他们拥有一切，他们都知道如何，除了一件事——内在解放自己，自由发挥直觉、幻想、舞台即兴创作和创造力。

这是问题所在。 我们在莫斯科音乐学院经常讨论它。 但并非一切都取决于我们。 最主要的是学生本人的个性。 她是多么明亮、坚强、原创。 没有老师可以创造个性。 他只能帮助她敞开心扉，展现自己最好的一面。

继续这个话题，谢尔盖·列昂尼多维奇谈到了另一个问题。 他强调，音乐家进入舞台时的内在态度非常重要：很重要 他将自己置于观众的什么位置. 多伦斯基说，一个年轻艺术家的自尊心是否得到发展，这个艺术家是否能够表现出创造性的独立性，自给自足，这一切都直接影响到游戏的质量。

“例如，这里有一个竞争性的试镜……只要看看大多数参与者，看看他们如何取悦在场的人，就足以给在场的人留下深刻印象。 他们如何努力赢得公众的同情，当然还有陪审团成员的同情。 实际上，没有人隐瞒这一点……上帝禁止“犯”某事，做错事，不得分！ 这样的定位——不是音乐，也不是表演者所感受和理解的艺术真理，而是那些听他、评估、比较、分配分数的人的感知——总是充满负面后果。 她分明是溜进游戏里了！ 因此，对真理敏感的人会产生不满情绪。

这就是为什么我通常对学生说：上台时少为他人着想。 更少的折磨：“哦，他们会怎么说我……”你需要为自己的快乐而快乐地玩耍。 我从我自己的经验中知道：当你心甘情愿地做某事时，这“某事”几乎总是会奏效并成功。 在舞台上，你会特别清楚地确保这一点。 如果你在不享受音乐制作过程的情况下表演你的音乐会节目，那么整个表演就会被证明是不成功的。 反之亦然。 因此，我总是试图从学生对乐器的所作所为中唤醒他内心的满足感。

每个表演者在表演过程中可能会遇到一些问题和技术错误。 无论是新人还是经验丰富的大师都不能幸免于难。 但是，如果后者通常知道如何对不可预见的不幸事故做出反应，那么前者通常会迷失方向并开始恐慌。 因此，多伦斯基认为，有必要提前为学生做好特殊准备，以应对舞台上的任何惊喜。 “有必要说服他们说，如果这种情况突然发生，没有什么是可怕的。 即使是最著名的艺术家，这种情况也会发生——Neuhaus 和 Sofronitsky，还有 Igumnov 和 Arthur Rubinstein……有时他们的记忆力会在某个地方让他们失望，他们可能会混淆某些东西。 这并不妨碍他们成为公众的最爱。 而且，如果学生不小心在舞台上“绊倒”，也不会发生灾难。

最主要的是，这不会破坏玩家的情绪，因此不会影响程序的其余部分。 可怕的不是错误，而是由此造成的心理创伤。 这正是我们要向年轻人解释的。

顺便说一句，关于“伤害”。 这是一个严肃的问题，所以我再补充几句。 不仅在舞台上、表演中，而且在日常的日常活动中，都必须害怕“受伤”。 例如，在这里，一位学生第一次将他自学的戏剧带到课堂上。 即使他的比赛有很多不足之处，你也不应该给他贬低，批评他太严厉。 这可能会产生进一步的负面后果。 特别是如果这个学生来自脆弱、紧张、容易受到伤害的天性。 对这样的人造成精神创伤就像剥梨一样容易； 以后治愈它要困难得多。 形成了一些心理障碍，未来很难克服。 而老师也无权忽视这一点。 无论如何，他不应该告诉一个学生：你不会成功，它不是给你的，它不会起作用等等。”

你每天要在钢琴上工作多长时间？ ——年轻的音乐家经常问。 意识到几乎不可能对这个问题给出一个单一而全面的答案，多伦斯基同时解释说， 如何在什么 方向应该寻求答案。 当然，为每个人自己搜索：

“工作量低于事业利益的要求是不好的。 多也不好，顺便说一下，我们杰出的前辈——伊古姆诺夫、诺伊豪斯和其他人——不止一次谈到了这一点。

当然，这些时间框架中的每一个都是他们自己的，纯粹是个人的。 在这里与其他人平等几乎没有意义。 例如，Svyatoslav Teofilovich Richter 在前几年每天学习 9-10 小时。 但这是里希特！ 他在各方面都是独一无二的，试图复制他的方法不仅没有意义，而且很危险。 但我的老师 Grigory Romanovich Ginzburg 并没有花太多时间在乐器上。 无论如何，“名义上”。 但他一直在“在他的脑海中”工作。 在这方面，他是一位无与伦比的大师。 正念太有用了！

我绝对相信，必须专门教导年轻音乐家工作。 介绍有效组织家庭作业的艺术。 我们教育工作者经常忘记这一点，只关注绩效问题—— 怎么玩 任何论文， 如何解释 一位作者或另一位作者，等等。 但这是问题的另一面。”

但是，如何才能在其轮廓中找到那条摇摆不定、依稀可辨、不确定的界限，将“少于案件利益要求”与“更多”区分开来？

“这里只有一个标准：清楚地意识到你在键盘上做什么。 如果你愿意，精神行为的清晰度。 只要头部工作良好，课程就可以而且应该继续。 但不止于此！

例如，让我告诉你，在我自己的实践中，性能曲线是什么样子的。 起初，当我第一次上课时，它们是一种热身。 效率还不算高； 正如他们所说，我没有全力以赴。 不值得在这里承担艰巨的工作。 满足于更容易、更简单的事情会更好。

然后逐渐热身。 你觉得表演的质量正在提高。 一段时间后——我想是在 30 到 40 分钟后——你的能力达到顶峰。 你会在这个级别停留大约 2-3 个小时（当然，在游戏中会稍作休息）。 用科学的话来说，这个阶段的工作似乎被称为“高原”，不是吗？ 然后出现疲劳的最初迹象。 它们会长大，变得更引人注目、更明显、更持久——然后你必须关上钢琴的盖子。 进一步的工作是没有意义的。

当然，你只是不想这样做，懒惰、注意力不集中就会克服。 然后需要意志的努力； 也离不开它。 但这是一个不同的情况，现在的谈话不是关于它的。

顺便说一句，我今天在我们的学生中很少遇到昏昏欲睡、意志薄弱、消磁的人。 现在的年轻人正在努力工作，没有必要去刺激他们。 每个人都明白：未来掌握在自己手中，并尽其所能——尽其所能，尽其所能。

相反，这里出现了一个不同类型的问题。 由于他们有时做得太多——由于对个人作品和整个程序的过度再培训——失去了游戏的新鲜感和即时性。 情感色彩褪去。 在这里，最好将正在学习的部分搁置一段时间。 换个曲目……”

多伦斯基的教学经验不仅限于莫斯科音乐学院。 他经常被邀请到国外进行教学研讨会（他称之为“巡回教学”）； 为此，他分年游历巴西、意大利、澳大利亚。 1988年夏天，他第一次在萨尔茨堡著名的莫扎特音乐学院担任高等表演艺术暑期课程的顾问老师。 这次旅行给他留下了深刻的印象——有许多来自美国、日本和一些西欧国家的有趣的年轻人。

谢尔盖·列昂尼多维奇（Sergei Leonidovich）有一次计算出，在他的一生中，他有机会在各种比赛以及教学研讨会上聆听 XNUMX 多名坐在评审席上的年轻钢琴家。 总而言之，他对世界钢琴教育学的情况，无论是苏联的还是外国的，都了如指掌。 “尽管如此，在我们如此高的水平上，尽管我们有所​​有的困难、未解决的问题，甚至是错误的估计，但他们在世界任何地方都没有教书。 通常，最好的艺术力量集中在我们的音乐学院。 不是在西方的任何地方。 许多主要表演者要么完全摆脱在那里教学的负担，要么将自己限制在私人课程中。 总之，我们的青年拥有最有利的成长条件。 虽然，我不得不重复一遍，和她一起工作的人有时会很艰难。”

例如，多伦斯基本人现在只能在夏天完全投入钢琴演奏。 还不够，他当然知道这一点。 “教育学是一种极大的快乐，但这种快乐常常是以牺牲他人为代价的。 这里没什么可做的。”

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尽管如此，多伦斯基并没有停止他的音乐会工作。 他尽可能地保持相同的音量。 他在他广为人知和欣赏的地方（在南美洲国家、日本、西欧和苏联的许多城市）演奏，他为自己发现了新的场景。 1987/88赛季，他居然第一次把肖邦的第二、第三歌谣带到了舞台上； 大约在同一时间，他再次学习并演奏了谢德林的前奏曲和赋格曲，这是他自己的芭蕾舞剧《小驼背马》中的钢琴组曲。 同时，他在电台录制了几首由 S. Feinberg 编排的巴赫合唱。 多伦斯基的新留声机唱片出版； XNUMX年代发行的CD包括贝多芬的奏鸣曲、肖邦的玛祖卡、拉赫玛尼诺夫的《帕格尼尼主题狂想曲》和格什温的《蓝色狂想曲》。

与往常一样，多伦斯基在某些事情上取得了更大的成功，而在某些事情上却取得了更少的成功。 从批判的角度考虑他近年来的节目，我们可以对贝多芬的“悲怆”奏鸣曲的第一乐章，“月球”的最后一个乐章提出某些主张。 这与可能发生或不会发生的一些性能问题和事故无关。 底线是，在悲怆、在钢琴曲目的英雄形象中、在高度戏剧化的音乐中，钢琴家多伦斯基通常感到有些尴尬。 不完全在这里 他的 情绪心理世界； 他知道并坦率地承认这一点。 所以，在“可怜”奏鸣曲（第一部分），在“月光”（第三部分）中，多伦斯基虽然拥有声音和乐句的所有优势，但有时缺乏真实的音阶、戏剧性、强大的意志冲动和概念性。 另一方面，肖邦的许多作品都给他留下了迷人的印象——例如同样的玛祖卡舞曲。 （马祖卡的唱片也许是多伦斯基最好的唱片之一。）让他作为翻译在这里谈论一些熟悉的、听众已经知道的事情； 他以如此自然、精神上的开放和温暖来做到这一点，以至于对他的艺术保持漠不关心是不可能的。

但是，今天谈论多伦斯基是错误的，更不用说判断他的活动了，眼前只有一个音乐会舞台。 作为一名教师，一个大型教育和创意团队的负责人，一名音乐会艺术家，他为三个人工作，并且必须以各种形式同时被感知。 只有这样，才能真正了解他的工作范围，了解他对苏联钢琴演奏文化的真正贡献。

G.齐平，1990