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意大利。 奏鸣曲，从 sonare 到声音

独奏或室内合奏的主要流派之一。 音乐。 经典 S.，作为一项规则，多部分生产。 带有快速的极端部分（第一 - 以所谓的奏鸣曲形式）和缓慢的中间部分； 有时小步舞曲或谐谑曲也包含在循环中。 除了老品种（三重奏奏鸣曲），与其他一些室内乐类型（三重奏、四重奏、五重奏等）相比，S. 的演奏者不超过 2 人。 这些规范是在古典主义时代形成的（见维也纳古典学派）。

“S”一词的出现。 可以追溯到独立形成的时候。 指令流派。 最初，S. 被称为 wok。 用乐器或自己的作品。 指令然而，这些作品仍然与炒锅密切相关。 写作的方式，是preim。 简单的炒锅转录。 戏剧。 作为指导。 播放“S”这个词。 早在 13 世纪就发现了。 更广泛地称为“奏鸣曲”或“奏鸣曲”仅在西班牙文艺复兴晚期（16世纪）开始使用。 指法谱（例如，L. Milan 的 El Maestro，1535 年；E. Valderrabano 的 Sila de Sirenas，1547 年），然后是意大利。 通常有一个双重名称。 – canzona da sonar 或 canzona per sonare（例如，y H. Vicentino、A. Bankieri 等）。

骗局。 16 世纪的意大利（F. Maskera 的主要著作），对“S”一词的理解。 作为独立仪器的指定。 戏剧（而不是康塔塔作为炒锅。戏剧）。 同时，尤其是在骗局中。 16 - 求。 17 世纪，“S”一词。 适用于形式和功能最多样化的仪器。 论文。 有时 S. 被称为 instr。 教堂礼拜的部分内容（班基耶里奏鸣曲中的标题“Alla devozione”——“虔诚的性格”或“Graduale”是值得注意的，K. Monteverdi 的此类作品之一的名称是“Sonata sopra Sancta Maria” – “圣母玛利亚的奏鸣曲礼拜仪式”），以及歌剧序曲（例如，对 MA Honor 的歌剧《金苹果》的介绍，S. – Il porno d'oro，1667 年）。 很长一段时间以来，“S.”、“交响乐”和“音乐会”的名称之间没有明确的区别。 到 17 世纪初（巴洛克早期），形成了 2 种类型的 S.：sonata da chiesa（教堂。S.）和 sonata da camera（房间，正面。S.）。 这些名称首次出现在 T. Merula（1637 年）的“Canzoni, overo sonate Concertate per chiesa e camera”中。 Sonata da chiesa 更多地依赖复调。 形式上，相机奏鸣曲以谐音仓库的优势和对舞蹈能力的依赖而著称。

在一开始的时候。 17世纪的所谓。 为 2 或 3 名演奏者而作的三重奏奏鸣曲，有连续低音伴奏。 它是 16 世纪复调的过渡形式。 独奏 S. 17-18 世纪。 在执行。 S.的作品此时领先的位置被弦乐占据。 用他们的大旋律鞠躬乐器。 机会。

在二楼。 2世纪有将S.肢解成部分的趋势（通常是17-3个）。 它们通过双线或特殊名称相互分隔。 G. Legrenzi 的许多奏鸣曲都代表了 5 部分循环。 作为一个例外，也可以找到单声部 S.（在 Sat：Sonate daorgano di varii autori，ed. Arresti）。 最典型的是一个由一系列部分组成的 5 部分循环：慢 - 快 - 慢 - 快（或：快 - 慢 - 快 - 快）。 第一个慢速部分——介绍； 它通常基于模仿（有时是谐音仓库），即兴创作。 字符，通常包括虚线节奏； 第 4 快部分是赋格，第 1 慢部分是谐音，通常是 sarabande 的精神； 结束。 快的部分也是赋格。 Sonata da camera 是对舞蹈的免费研究。 房间，如套房： allemande - courant - sarabande - gigue（或 gavotte）。 这个方案可以由其他舞蹈补充。 部分。

sonata da camera 的定义经常被名称所取代。 - “套房”，“partita”，“法语。 序曲”、“命令”等。 17世纪在德国就有产品。 混合型，结合了两种 S. 的特性（D. Becker、I. Rosenmüller、D. Buxtehude 等）。 去教堂。 S. 将本质上与舞蹈相近的部分（吉格舞曲、小步舞曲、加沃特舞曲）插入房间——从教堂中释放前奏部分。 S. 有时这会导致两种类型的完全合并（GF Teleman，A. Vivaldi）。

部分通过主题组合在 S. 中。 联系（尤其是极端部分之间，例如，在 C. op. 3 No 2 Corelli 中），借助和谐的音调计划（主调的极端部分，次要的中间部分），有时与程序设计的帮助（S.“圣经故事”库瑙）。

在二楼。 2 世纪，随着三重奏奏鸣曲，小提琴 S. 占据了主导地位——这是一种在此时正经历着第一次也是最高开花的乐器。 类型 skr。 S. 是在 G. Torelli、J. Vitali、A. Corelli、A. Vivaldi、J. Tartini 的工作中发展起来的。 一楼有许多作曲家。 17 世纪（JS Bach、GF Teleman 和其他人）有扩大部分并将其数量减少到 1 或 18 个的趋势——通常是由于教堂的 2 个缓慢部分之一被拒绝。 S.（例如，IA Sheibe）。 部分的速度和性质的指示变得更加详细（“行板”、“Grazioso”、“Affettuoso”、“Allegro ma non troppo”等）。 S. 指带有发达的键盘部分的小提琴，最早出现在 JS Bach 中。 命名为“来自”。 关于钢琴独奏曲，I. Kunau 是第一个使用它的人。

在早期古典时期（18世纪中叶），S.逐渐被公认为最丰富、最复杂的室内乐流派。 1775 年，IA Schultz 将 S. 定义为“包含所有字符和所有表达式”的形式。 DG Türk 在 1789 年指出：“在为键盘而写的作品中，奏鸣曲理所当然地占据首位。” 根据 FW Marpurg 的说法，在 S. 中必然“有三四首连续乐曲，以指定的节奏，例如，快板、慢板、快板等”。 至于新出现的锤式钢琴，键盘钢琴走在了最前面。 （最早的样本之一 – S. op. 8 Avison, 1764），以及大键琴或古钢琴（为北德和中德学校的代表 – WF Bach、KFE Bach、KG Nefe、J. Benda、EV Wolf 和其他——古钢琴是最喜欢的乐器）。 伴奏 C. basso continuo 的传统正在消亡。 一种中间类型的键盘钢琴正在传播，可以选择使用一两种其他乐器，通常是小提琴或其他旋律乐器（C. Avison、I. Schobert 的奏鸣曲和 WA 莫扎特的一些早期奏鸣曲），尤其是在巴黎和伦敦。 S. 为经典而生。 双重作曲，键盘和 c.-l 的强制参与。 旋律乐器（小提琴、长笛、大提琴等）。 在第一批样品中 – S. op。 3 贾尔迪尼 (1751), S. op. 4 佩莱格里尼 (1759)。

一种新形式的 S. 的出现很大程度上取决于从复音的过渡。 赋格仓地谐音。 古典奏鸣曲快板在 D. Scarlatti 的单声部奏鸣曲和 CFE Bach 的三声部奏鸣曲以及他同时代的 B. Pasquini、PD Paradisi 等人的奏鸣曲中特别密集地形成。 这个星系的大多数作曲家的作品都被遗忘了，只有 D. Scarlatti 和 CFE Bach 的奏鸣曲仍在继续演奏。 D. 斯卡拉蒂写了 3 多首 S.（通常称为 Essercizi 或大键琴的作品）； 它们的特点是其彻底性、精致的饰面、各种形状和类型。 KFE 巴赫开创了经典。 500 部分 S. 循环的结构（参见奏鸣曲循环形式）。 在意大利大师，尤其是 GB Sammartini 的作品中，经常发现一个由两部分组成的循环：Allegro – Menuetto。

术语“S”的含义。 在早期古典时期并不完全稳定。 有时它被用作 instr 的名称。 戏剧（J. Carpani）。 在英国，S. 通常与“Lesson”（S. Arnold，op. 7）和独奏奏鸣曲相结合，即 S. 代表旋律。 乐器（小提琴，大提琴）与低音大提琴（P. Giardini，op.16），在法国 - 与大键琴的作品（JJC Mondonville，op. 3），在维也纳 - 与娱乐（GK Wagenseil，J. Haydn），在米兰 - 夜曲（GB Sammartini，JK Bach）。 有时使用术语 Sonata da camera (KD Dittersdorf)。 一段时间以来，教会 S. 也保留了它的重要性（莫扎特的 17 首教会奏鸣曲）。 巴洛克传统也体现在丰富的旋律装饰（Benda），以及引入艺术大师的比喻段落（M. Clementi），例如循环的特征。 在 F. Durante 的奏鸣曲中，第一赋格部分经常与第二部分对立，以吉格歌的形式写成。 与旧组曲的联系在 S. (Wagenseil) 的中间或最后部分使用小步舞曲也很明显。

早期古典主题。 S. 经常保留模仿复调的特点。 相比之下，例如，由于对流派发展的其他影响（主要是歌剧音乐的影响），该交响乐在这一时期具有其特有的谐音主题主义。 规范经典。 S. 终于在 J. Haydn、WA Mozart、L. Beethoven、M. Clementi 的作品中成型。 具有极快运动和缓慢中间部分的 3 声部循环成为 S. 的典型特征（与具有规范的 4 声部循环的交响曲形成对比）。 这种循环结构可以追溯到旧的 C. da chiesa 和独奏 instr。 巴洛克音乐会。 循环中的领先位置由第 1 部分占据。 它几乎总是以奏鸣曲的形式写成，是所有古典乐器中最发达的。 形式。 也有例外：例如，在 fp. 莫扎特的奏鸣曲A-dur (K.-V. 331)第一部分是以变奏形式写成的，在他自己的C. Es-dur (K.-V. 282)第一部分是慢板。 由于节奏缓慢、抒情和沉思的特点，第二部分与第一部分形成鲜明对比。 这部分允许在结构的选择上有更大的自由度：它可以使用复杂的 3 部分形式、奏鸣曲形式及其各种修改（没有发展，有一个插曲）等。通常将小步舞曲作为第二部分引入（对于例如，C. Es-dur, K.-V. 282, A-dur, K.-V. 331, Mozart, C-dur for Haydn)。 第三乐章，通常是循环中最快的（Presto、allegro vivace 和 close tempos），以其活跃的特点接近第一乐章。 最典型的结尾曲形式是回旋曲和回旋曲奏鸣曲，变奏曲较少见（C. Es-dur 演奏小提琴和钢琴，莫扎特的 K.-V. 481；C. A-dur 演奏海顿的钢琴）。 然而，这种循环结构也存在偏差：从 52 fp。 海顿的奏鸣曲第 3 首（早期）是四声部，第 8 首是两声部。 类似的循环也是一些 skr 的特征。 莫扎特的奏鸣曲。

在经典时期，人们关注的焦点是钢琴的 S.，它到处取代了旧类型的弦乐。 键盘乐器。 S.也广泛用于decomp。 有 fp. 伴奏的乐器，尤其是 Skr. S.（例如，莫扎特拥有 47 skr.C）。

S. 流派在贝多芬达到了最高峰，他创造了 32 fp., 10 scr。 和5大提琴S。在贝多芬的作品中，丰富了具象性的内容，体现了戏剧性。 碰撞，冲突开始变得尖锐。 他的许多 S. 达到了不朽的比例。 贝多芬的奏鸣曲除了表现形式的精细化和表达的集中，古典主义艺术的特点外，还表现出后来被浪漫主义作曲家采用和发展的特点。 贝多芬经常以 4 部分循环的形式写出 S.，再现了交响曲和四重奏部分的顺序：奏鸣曲快板是一首缓慢的抒情诗。 乐章 – 小步舞曲（或谐谑曲） – 终曲（例如 S. 钢琴 op. 2 No 1, 2, 3, op. 7, op. 28）。 中间部分时而倒序排列，时而慢抒情。 该部分被一个更灵活的节奏（allegretto）的部分所取代。 这样的循环将在许多浪漫主义作曲家的 S. 中扎根。 贝多芬也有 2 部分 S.（S. 代表钢琴作品 op. 54，op. 90，op. 111），以及一个具有自由部分序列的独奏家（变奏乐章 - 谐谑曲 - 葬礼进行曲 - 钢琴尾声。 C op. 26；op. C. quasi una fantasia op. 27 No 1 和 2；C. op. 31 No 3，第二名是谐谑曲，第三名是小步舞曲）。 在贝多芬的最后一个 S.中，循环紧密融合的趋势和更大的解释自由度得到了加强。 在各部分之间引入连接，从一个部分到另一个部分进行连续过渡，循环中包括赋格部分（S. op. 2, 3, 101 的韵母，S. op. 106 第 110 部分中的 fugato）。 首部有时会失去循环中的领先地位，收尾往往成为重心。 在 decomp 中有对以前听起来的主题的回忆。 周期的一部分（S. op. 1, 111 No 101）。 方法。 在贝多芬的奏鸣曲中，对第一乐章的缓慢介绍也开始发挥作用（op. 102, 1, 13）。 贝多芬的一些歌曲具有软件元素的特点，在浪漫主义作曲家的音乐中得到了广泛的发展。 例如，钢琴的 S. 的 78 个声部。 同上。 111a 被调用。 “告别”、“离别”和“归来”。

F. Schubert 和 KM Weber 的奏鸣曲占据了古典主义和浪漫主义之间的中间位置。 基于贝多芬的 4 声部（很少是 3 声部）奏鸣曲循环，这些作曲家在他们的作品中使用了某些新的表现方法。 旋律戏剧非常重要。 开始，民歌元素（尤其是在周期的缓慢部分）。 歌词。 字符在 fp 中出现得最清楚。 舒伯特的奏鸣曲。

在浪漫主义作曲家的作品中，古典音乐发生了进一步的发展和转变。 （主要是贝多芬的）S型，用新的意象饱和。 特点是对体裁的诠释更加个性化，其诠释在浪漫主义精神中。 诗歌。 S. 在此期间保留了 instr 的主要流派之一的位置。 音乐，虽然它在某种程度上被小形式（例如，一首没有词的歌曲，夜曲，前奏曲，练习曲，特色片段）推到一边。 F. Mendelssohn、F. Chopin、R. Schumann、F. Liszt、J. Brahms、E. Grieg等人对地震的发展做出了巨大贡献。 他们的震撼作品揭示了该流派在反映生活现象和冲突方面的新可能性。 S. 图像的对比度在各个部分以及它们之间的关系中都得到了加强。 作曲家对更多主题的渴望也受到影响。 循环的统一，虽然一般浪漫主义者坚持经典。 3 声部（例如，S. 代表 Mendelssohn 的钢琴 op. 6 和 105，S. 代表小提琴和钢琴 op. 78 和 Brahms 的 100）和 4 声部（例如，S. 代表钢琴 op. 4、35和 58 Chopin, S. for Schumann) 循环。 FP 的一些序列在解释循环部分时具有很大的独创性。 勃拉姆斯（S. op. 2，五部分 S. op. 5）。 浪漫的影响。 诗歌导致单声部 S. 的出现（第一个样本 – 2 S. 用于李斯特的钢琴）。 在规模和独立性方面，奏鸣曲的各个部分在其中形成接近循环的部分，形成所谓的。 单部分循环是持续发展的循环，各部分之间的界限模糊。

在 fp。 李斯特奏鸣曲的统一因素之一是程序性：与但丁的《神曲》的形象，他的 S.“读完但丁之后”（其结构的自由被命名为幻想曲准奏鸣曲强调），与歌德的浮士德的形象 - S. h-摩尔 (1852 -53)。

在勃拉姆斯和格里格的作品中，小提琴 S 占据了突出的位置。浪漫主义中 S 流派的最佳例子。 音乐属于小提琴和钢琴奏鸣曲A-dur。 S. Frank，以及大提琴和钢琴的 2 S.。 勃拉姆斯。 也正在为其他乐器创建乐器。

在康。 19 - 求。 20 世纪 S. 在西方国家。 欧洲正在经历一场众所周知的危机。 V. d'Andy、E. McDowell、K. Shimanovsky 的奏鸣曲很有趣，在思想和语言上都是独立的。

大量 S. 用于 decomp。 仪器是由 M. Reger 编写的。 特别令人感兴趣的是他的 2 S. 管风琴，其中体现了作曲家对古典的倾向。 传统。 Reger 还拥有 4 S. 用于大提琴和钢琴，11 S. 用于钢琴。 对编程的倾向是麦克道尔奏鸣曲作品的特征。 他的所有 4 个 S. for fp。 是节目字幕（“悲剧”，1893；“英雄”，1895；“挪威”，1900；“凯尔特人”，1901）。 不太重要的是 K. Saint-Saens、JG Reinberger、K. Sinding 等人的奏鸣曲。 试图在其中恢复经典。 原则并没有给出艺术上令人信服的结果。

S. 流派在一开始就具有特殊的特征。 20世纪的法国音乐。 来自法国 G. Fauré、P. Duke、C. Debussy（S. 代表小提琴和钢琴，S. 代表大提琴和钢琴，S. 代表长笛、中提琴和竖琴）和 M. Ravel（S. 代表小提琴和钢琴） , S. 为小提琴和大提琴，奏鸣曲为钢琴）。 这些作曲家使 S. 充满新意，包括印象派。 具象性，原始的表达方法（使用异国情调的元素，丰富的模态和谐手段）。

在 18 世纪和 19 世纪的俄罗斯作曲家的作品中，S. 并没有占据显着位置。 此时的 S. 流派以个人实验为代表。 DS Bortnyansky 的 cembalo 乐器，以及 IE Khandoshkin 的小提琴和贝斯独奏乐器，其风格特征接近于早期的西欧古典乐器。 和中提琴（或小提琴）MI Glinka（1828），在古典音乐中持续存在。 精神，但有语调。 与俄罗斯关系密切的政党。 民歌元素。 民族特色在格林卡最杰出的同时代人的 S. 中很明显，主要是 AA Alyabyeva（S. 为小提琴与钢琴，1834 年）。 定义。 AG Rubinshtein 是《钢琴 4 S.》的作者，他向 S.（1859-71 年）和 3 S.（小提琴和钢琴）的流派致敬。 (1851-76)，S. 为中提琴和钢琴演奏。 (1855) 和 2 页。 为大提琴和钢琴。 （1852-57）。 对于随后在俄语中流派的发展特别重要。 音乐有 S. 代表钢琴。 同上。 37 PI Tchaikovsky，还有 2 S. 用于钢琴。 AK Glazunov，倾向于“大”浪漫主义 S 的传统。

在 19 世纪和 20 世纪之交。 对流派 S. y rus 感兴趣。 作曲家显着增加。 该流派发展的一个亮点是FP。 斯克里亚宾的奏鸣曲。 在许多方面，继续浪漫。 传统（对可编程性的引力，循环的统一），斯克里亚宾给了他们一个独立的，深刻的原创表达。 斯克里亚宾奏鸣曲创作的新颖和独创性体现在比喻结构和音乐上。 语言，以及体裁的诠释。 斯克里亚宾奏鸣曲的纲领性是哲学性和象征性的。 特点。 它们的形式从相当传统的多部分循环（1st - 3rd S.）演变为单部分（5th - 10th S.）。 斯克里亚宾的第四奏鸣曲，这两个部分彼此密切相关，已经接近单乐章钢琴的类型。 诗。 与李斯特的单乐章奏鸣曲不同，斯克里亚宾的奏鸣曲没有单乐章循环形式的特征。

S. 在 NK Medtner 的工作中得到了显着更新，to-rum 属于 14 fp。 S. 和 3 S. 用于小提琴和钢琴。 梅特纳扩展了流派的界限，借鉴了其他流派的特征，主要是程序化或抒情特征（“奏鸣曲挽歌”op. 11，“奏鸣曲回忆”op.38，“奏鸣曲童话”op.25 , “民谣奏鸣曲 » op. 27)。 他的“奏鸣曲”作品占据了一个特殊的位置。 41.

2 fp 中的 SV 拉赫玛尼诺夫。 S.特别发展了伟大浪漫主义的传统。 C. 俄语中的一个值得注意的事件。 音乐生活开始。 20 世纪钢 2 第一个用于 fp 的 S。 N.雅。 Myaskovsky，尤其是单曲第 2 S.，获得了格林金奖。

在 20 世纪接下来的几十年里，新的表达方式的使用改变了这一流派的面貌。 此处，6 C. 表示分解。 B. Bartok 的乐器，在节奏和模态特征方面具有原创性，表明演奏者有更新的趋势。 作曲（S. for 2 fp. 和打击乐）。 其他作曲家也紧随这一最新趋势（S. 代表小号、圆号和长号，F. Poulenc 等）。 正在尝试恢复某些形式的前经典。 S.（P. Hindemith 的 6 首管风琴奏鸣曲，E. Krenek 的中提琴和小提琴独奏 S. 以及其他作品）。 新古典主义诠释这一流派的第一个例子——钢琴的第二 S.。 如果斯特拉文斯基（2 年）。 方法。 在现代音乐中占有一席之地的是 A. Honegger 的奏鸣曲（1924 C. 用于各种乐器），Hindemith（约 6 C. 用于几乎所有乐器）。

猫头鹰创造了现代诠释这一流派的杰出例子。 作曲家，主要是 SS Prokofiev（钢琴 9 人，小提琴、大提琴 2 人）。 FP 在现代 S. 的发展中发挥了最重要的作用。 普罗科菲耶夫的奏鸣曲。 所有的创造力都清楚地反映在他们身上。 作曲家的道路——来自与浪漫的联系。 样品 (1st, 3rd C.) 到明智成熟 (8th C)。 普罗科菲耶夫依靠经典。 3 部分和 4 部分周期的规范（除了 1 部分和 3 部分 C）。 古典取向。 和前经典。 思维原则体现在古代舞蹈的运用上。 17-18世纪的流派。 （加沃特，小步舞曲），托卡塔形式，以及清晰的部分。 然而，原始特征占主导地位，包括戏剧的戏剧性具体性，旋律与和声的新颖性以及钢琴的独特性。 精湛技艺。 作曲家作品中最重要的高峰之一是战争年代的“三重奏奏鸣曲”（6th – 8th pp., 1939-44），它结合了戏剧。 图像与经典的冲突。 形式的细化。

DD Shostakovich（钢琴、小提琴、中提琴和大提琴 2 名）和 AN Aleksandrov（钢琴 14 名）对钢琴音乐的发展做出了显着贡献。 FP也很受欢迎。 DB Kabalevsky 的奏鸣曲和奏鸣曲，AI Khachaturian 的奏鸣曲。

在 50 年代至 60 年代。 奏鸣曲创作领域出现新的特征现象。 S.出现，不包含奏鸣曲形式的循环中的单个部分，仅执行奏鸣曲的某些原则。 这就是 FP 的 S.。 P. Boulez，“准备好的”钢琴的“奏鸣曲和插曲”。 J.凯奇。 这些作品的作者将 S. 主要解释为 instr。 玩。 一个典型的例子是 K. Penderecki 为大提琴和管弦乐队创作的 C.。 许多猫头鹰的工作也反映了类似的趋势。 作曲家（BI Tishchenko、TE Mansuryan 等的钢琴奏鸣曲）。

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另请参阅点亮。 到文章奏鸣曲形式，奏鸣曲循环形式，音乐形式。

VB瓦尔科娃