仪器仪表

由管弦乐队或器乐合奏的任何部分表演音乐。 管弦乐队的音乐呈现通常也称为管弦乐。 在过去 pl。 作者给出了“我”这个词。 和“编排”十二月。 意义。 因此，例如，F. Gewart 将 I. 定义为技术学说。 并表达。 机会乐器和管弦乐——作为他们共同应用的艺术，F. Busoni 将管弦乐归于管弦乐队的演示，从一开始作者就认为是管弦乐，而 I.——管弦乐队的演示不依靠 k.- l 写的作品。 某种成分或其他成分。 随着时间的推移，这些术语变得几乎相同。 “我”这个词具有更普遍的意义，在更大程度上表达了创造力的本质。 为许多（几个）表演者创作音乐的过程。 因此，它越来越多地用于和弦合唱音乐领域，特别是在各种编曲的情况下。

I. 不是作品的外在“装备”，而是其本质的一个侧面，因为在其具体的声音之外，即在定义之外，无法想象任何一种音乐。 音色及其组合。 I. 的过程最终体现在乐谱的写作中，该乐谱将参与演奏给定作品的所有乐器和声音的部分结合起来。 （作者为此作曲提供的非音乐效果和噪音也记录在乐谱中。）

当第一次意识到缪斯之间的差异时，关于 I. 的最初想法可能已经出现。 短语，唱人。 声音，由她在 c.-l 上播放。 工具。 然而，很长一段时间，包括多球的全盛时期。 对位字母，音色，它们的对比和动态。 机会并没有以任何有意义的方式在音乐中播放。 角色。 作曲家将自己限制在旋律线的近似平衡上，而乐器的选择通常不是确定的，可能是随机的。

可以追溯 I. 作为形成因素的发展过程，始于对音乐创作的谐音风格的认可。 需要特殊手段将主旋律与伴奏环境隔离开来； 它们的使用使声音更具表现力、张力和特异性。

对理解戏剧的重要作用。 管弦乐队的乐器由歌剧院扮演，歌剧院起源于 16 世纪末至 17 世纪初。 XNUMX世纪 在C. Monteverdi的歌剧中，第一次发现了弓弦令人不安的颤音和警觉的拨弦。 KV Gluck，以及后来的 WA 莫扎特，成功地使用长号来描绘可怕、可怕的情况（《俄耳甫斯与欧律狄刻》、《唐璜》）。 莫扎特成功地利用当时原始小长笛的天真声音来刻画 Papageno（“魔笛”）。 在歌剧作品中，作曲家诉诸圣礼。 封闭的铜管乐器的声音，也使用了传入欧洲的打击乐器的响度。 从所谓的管弦乐队。 “门卫音乐”。 然而，在 I. 领域的搜索仍然处于平均水平。 直到（由于对乐器的选择和改进，以及在音乐作品印刷宣传的迫切需要的影响下），才完成了成为交响乐的过程。 一个管弦乐队，由四组乐器组成，尽管数量不等：弦乐、木头乐器、铜管乐器和打击乐器。 管弦乐队组成的典型是由缪斯先前发展的整个过程准备的。 文化。

最早是在 17 世纪。 – 弦乐组稳定了，由不久前形成的各种小提琴家族的弦乐器组成：小提琴、中提琴、大提琴和将它们加倍的低音提琴，取代了中提琴——室内发声乐器和有限的技术能力。

古长笛、双簧管和巴松管此时也有了很大的改进，在调性和机动性方面开始满足合奏的要求，很快就可以形成（尽管整体范围相对有限）第二乐团中的乐队。 当在 Ser。 2 世纪，单簧管也加入了它们（其设计比其他木制管乐器的设计有所改进），然后这组几乎与弦乐一样单一，在统一性上屈服于它，但在多样性上超越了它的音色。

形成一个平等的兽人需要更长的时间。 铜灵群。 工具。 在 JS 巴赫时代，小型室内管弦乐队通常包括一个天然的小号，主要由小号使用。 在高音域，它的音阶允许提取全音阶。 第二个序列。 为了取代这个旋律，使用二楼的管子（所谓的“Clarino”风格）。 2 世纪出现了对铜的新解释。 作曲家越来越多地开始使用天然的管子和喇叭来制作口琴。 填充兽人。 织物，以及增强口音和强调分解。 节奏公式。 由于机会有限，铜管乐器只有在为它们创作音乐的情况下才作为一个平等的群体，DOS。 在性质上。 军号、狩猎号、邮政号和其他用于特殊用途的信号乐器的特征 - 管弦乐队的创始人。

最后，打。 17 至 18 世纪管弦乐队中的乐器。 大多数情况下，它们由两个调到主音和主音的定音鼓代表，通常与铜管组结合使用。

在 18 年底 - 早。 19世纪形成了“经典”。 乐队。 建立其作品的最重要角色属于 J. Haydn，然而，它在 L. Beethoven 中呈现了完整的形式（与此相关，它有时被称为“Beethovenian”）。 它包括 8 到 10 把第一小提琴、4 到 6 把第二小提琴、2 到 4 把中提琴、3 到 4 把大提琴和 2 到 3 把低音提琴（在贝多芬之前，他们主要用大提琴演奏八度音阶）。 这种琴弦组成对应于 1-2 个长笛、2 个双簧管、2 个单簧管、2 个巴松管、2 个圆号（有时需要 3 个甚至 4 个，当需要不同调音的喇叭时）、2 个小号和 2 个定音鼓。 这样一个管弦乐队为实现在使用缪斯方面取得了巨大成就的作曲家的想法提供了足够的机会。 工具，尤其是铜，其设计仍然非常原始。 因此，在 J. Haydn、WA Mozart，尤其是 L. Beethoven 的作品中，经常有巧妙地克服他们当代乐器的局限性的例子，并且不断扩大和改进当时的交响乐团的愿望猜到了。

在第三交响曲中，贝多芬创造了一个主题，该主题非常完整地体现了英雄主义原则，同时理想地对应了自然号角的性质：

在他的第五交响曲的缓慢乐章中，号角和小号被赋予了胜利的感叹：

这部交响曲终曲的欢乐主题也需要长号的参与：

在创作第 9 交响曲终曲主题时，贝多芬无疑力求确保它可以在天然铜管乐器上演奏：

在同一交响曲的谐谑曲中使用定音鼓无疑证明了戏剧性地反对节拍的意图。 乐器 – 管弦乐队其他成员的定音鼓：

即使在贝多芬的一生中，黄铜烈酒的设计也发生了真正的革命。 与阀门机构的发明相关的工具。

作曲家不再受制于自然的有限可能性。 铜管乐器，此外，还有机会安全地处理更广泛的音调。 然而，新的“彩色”管子和喇叭并没有立即获得普遍认可——起初它们听起来比自然的更差，而且通常不能提供系统所需的纯度。 后来，一些作曲家（R. Wagner、I. Brahms、NA Rimsky-Korsakov）有时会重新将喇叭和小号解释为自然。 乐器，规定他们在不使用阀门的情况下演奏。 总的来说，阀门乐器的出现为缪斯的进一步发展开辟了广阔的前景。 创造力，因为铜乐队在最短的时间内完全赶上了弦乐和木头，有机会独立呈现任何最复杂的音乐。

一个重要事件是低音大号的发明，它不仅为铜管乐队，而且为整个管弦乐队奠定了可靠的基础。

铜集团获得独立最终确定了喇叭的位置，在此之前（根据情况）与铜或木制喇叭相邻。 作为铜管乐器，号角通常与小号一起演奏（有时由定音鼓支持），也就是说，精确地作为一个组合。

在其他情况下，它们与木制乐器，尤其是巴松管完美融合，形成口琴踏板（在古代乐谱中，后来与 R. Wagner、G. Spontini，有时与 G. Berlioz，一排号角被放置在巴松管上方，即 . 在木制之间）。 这种双重性的痕迹即使在今天仍然可见，因为号角是唯一在乐谱中占据一席之地的乐器，而不是按 tessitura 的顺序，而是作为木制乐器和铜管乐器之间的“纽带”。

一些现代作曲家（例如，SS Prokofiev，DD Shostakovich）在许多其他人中。 乐谱记录了小号和长号之间的喇叭部分。 然而，由于在乐谱中将长号和管子并排放置，通常作为“重”（“硬”）铜的代表，根据它们的 tessitura 记录圆号的方法并没有普及。

一群木酒。 乐器的设计不断改进，由于品种而开始大量丰富：小长笛和中音长笛，英制。 号角，小型和低音单簧管，低音管。 在二楼。 2世纪 逐渐形成了五彩斑斓的木组，在体积上不仅不逊色于弦，甚至超过了弦。

打击乐器的数量也在增加。 3-4 个定音鼓由大小鼓、钹、三角形、手鼓连接。 越来越多的钟声、木琴、fp.、后来的钢片出现在管弦乐队中。 七踏板竖琴引入了新的颜色，该竖琴发明于 19 世纪初，后来由 S. Erar 改进，具有双重调音机制。

反过来，字符串也不会对相邻群体的增长漠不关心。 为了保持正确的声学比例，有必要将这些乐器的演奏者人数增加到 14-16 个第一小提琴，12-14 个第二小提琴，10-12 个中提琴，8-12 个大提琴，6-8 个低音提琴，这创造了广泛使用 decomp 的可能性。 分裂。

在古典19世纪管弦乐队的基础上逐渐发展产生了缪斯的思想。 G. Berlioz 和 R. Wagner、KM Weber 和 G. Verdi、PI Tchaikovsky 和 ​​NA Rimsky-Korsakov 的管弦乐队的浪漫主义（以及因此寻找新的色彩和鲜明的对比、特性、节目交响乐和戏剧音乐）。

在二楼完全成型。 2世纪，存在了近一百年没有任何变化，它（有微小的变化）仍然满足艺术。 不同方向和个性的作曲家对风景如画、色彩缤纷、缪斯的需求。 声音写作，以及那些追求音乐形象的心理深度的人。

在稳定管弦乐队的同时，对新的兽人技术进行了深入研究。 写作，对管弦乐队乐器的全新诠释。 经典声学理论。 平衡，与大型交响乐有关。 由 NA Rimsky-Korsakov 创作的管弦乐队，从一个小号（或长号，或大号）以最富有表现力的方式演奏的事实出发。 记，就声音强度而言，它等于两个喇叭，每个喇叭又等于两个木灵。 乐器或任何弦乐子组的齐奏。

PI柴可夫斯基。 第六交响曲，第一乐章。长笛和单簧管重复先前由中提琴和大提琴演奏的句子。

同时，对寄存器的强度差异和动态进行了某些修正。 可以改变兽人内部比例的阴影。 面料。 古典 I. 的一项重要技术是谐波或旋律（反标点）踏板，这是谐音音乐的特征。

主要符合声学平衡，I.不可能是普遍的。 她很好地满足了严格的比例、思维定势的要求，但不太适合传达强烈的表情。 在这些情况下，I., osn. 的方法。 与其他声音相比，某些声音的强大倍增（三倍，四倍），音色和动态的不断变化。

这种技巧是 19 世纪末和 20 世纪初许多作曲家作品的特点。 （例如，斯克里亚宾）。

随着“纯”（独奏）音色的使用，作曲家开始实现特殊效果，大胆地混合不同的颜色，通过 2、3 或更多八度音阶加倍声音，使用复杂的混合。

PI柴可夫斯基。 第 6 交响曲，第一乐章。铜管乐器的感叹号每次都由弦乐器和木乐器的齐声回应。

事实证明，纯音色本身充满了添加。 戏剧。 机会，例如。 比较木制乐器中的高低音域，使用静音 decomp。 铜管乐器的分配，弦乐的高低音位置等。以前仅用于敲击节奏或填充和着色和声的乐器越来越多地被用作主题主义的载体。

在寻找扩展将表达。 并描绘。 机遇形成了 20 世纪的管弦乐队。 – G. Mahler 和 R. Strauss、C. Debussy 和 M. Ravel、IF Stravinsky 和 ​​V. Britten、SS Prokofiev 和 DD Shostakovich 的管弦乐队。 凭借这些和其他一些杰出的管弦乐创作大师的各种创作方向和个性。 世界各国，它们与 I., osn 的各种技术的精湛技艺相关。 凭借发达的听觉想象力，对乐器本质的真实认识以及对其技术的出色了解。 机会。

方法。 在 20 世纪分配给 leittimbres 的音乐中占有一席之地，当每种乐器都成为所演奏乐器的特征时。 表现。 因此，瓦格纳发明的主题系统呈现出新的形式。 因此，对新音色的密集搜索。 弦乐演奏者越来越多地使用泛音演奏 sul ponticello, col legno； 管乐器使用 frullato 技术； 弹奏竖琴是由复杂的谐波组合丰富的，用手掌敲击琴弦。 出现了新的乐器设计，可以实现不寻常的效果（例如，踏板定音鼓上的滑音）。 发明了全新的乐器（尤其是打击乐器），包括。 和电子的。 最后，在 Symph。 管弦乐队越来越多地引入来自其他作品的乐器（萨克斯管、弹拨民族乐器）。

现代前卫运动的代表提出了使用熟悉工具的新要求。 音乐。 他们的分数以节拍为主。 具有一定音高的乐器（木琴，铃铛，电颤琴，不同音高的鼓，定音鼓，管状铃铛），以及celesta，fp。 和各种电动工具。 即使是鞠躬的乐器也意味着。 这些作曲家最少用于弹拨和打击乐。 声音制作，直到在乐器甲板上用弓敲击。 诸如在竖琴共鸣器的音板上折断钉子或敲击木制阀门上的阀门等效果也变得越来越普遍。 越来越多地使用最极端、最强烈的乐器音域。 此外，前卫艺术家的创造力的特点是渴望诠释乐团的首演。 作为独奏者的会议； 管弦乐队本身的组成往往会减少，这主要是由于团体乐器数量的减少。

NA 里姆斯基-科萨科夫。 “山鲁佐德”。 第二部分。 弦乐，演奏不分音，使用双音和三四部分和弦，将旋律和和弦演绎得淋漓尽致。 质地，仅由管乐器略微支撑。

尽管在 20 世纪已经写了许多作品。 用于交响乐的特殊（变体）组合。 管弦乐队，它们都没有成为典型，就像在弦弓管弦乐队之前一样，为此创作了许多广受欢迎的作品（例如，柴可夫斯基的“弦乐小夜曲”）。

兽人发展。 音乐清楚地展示了创造力及其物质基础的相互依存关系。 注意。 木质烈酒复杂力学设计的进展。 工具或制造最精确校准的铜工具，以及许多其他领域。 乐器的其他改进最终是意识形态艺术迫切需求的结果。 命令。 反过来，艺术物质基础的提高也为作曲家和演奏家开辟了新的视野，唤醒了他们的创造力。 幻想，从而为音乐艺术的进一步发展创造了先决条件。

如果作曲家为管弦乐作品工作，那么它是（或应该）直接为管弦乐队写的，如果不是在所有细节上，那么在它的主要特征上。 在这种情况下，它最初以草图的形式记录在几行上——未来乐谱的原型。 草图包含的管弦乐纹理的细节越少，它就越接近通常的两行 FP。 演示文稿中，更多的工作是在实际I.写乐谱的过程中要做的。

M.拉威尔。 “波莱罗”。 仅通过仪器就可以实现巨大的增长。 从在几乎听不见的伴奏背景下的独奏长笛，通过木管乐器的齐奏，然后通过由风加倍的弦乐混合......

本质上是 fp 的检测。 戏剧——自己的或其他作者的——需要创造力。 方法。 这种情况下的作品始终只是未来管弦乐作品的原型，因为乐器演奏者必须不断地改变纹理，而且他还经常被迫改变音域、加倍声部、添加踏板、重新编曲、填充声学. 空隙，将紧和弦转换为宽等。网络。 转移fp。 向管弦乐队展示（有时在音乐实践中遇到）通常会导致艺术上的不令人满意。 结果 - 这样的 I. 结果证明声音很差，给人留下不好的印象。

最重要的艺术。 Instrumentator 的任务是应用 decomp。 根据音色的特点和张力，最有力地揭示兽人的戏剧性。 音乐; 主要技术同时，任务是实现良好的声音聆听和第一和第二（第三）位面之间的正确比例，这保证了兽人的浮雕和深度。 声音。

用 I.，例如，fp。 戏剧可能会出现，并且会有一些补充。 任务，从键的选择开始，这并不总是与原音的键相匹配，特别是如果需要使用开放弦乐的明亮声音或铜管乐器的明亮无阀声音时。 正确解决所有缪斯转移案件的问题也很重要。 与原始短语相比，将短语放入其他寄存器中，最后，根据总体开发计划，标出必须说明仪表化生产的一个或另一个部分的多少“层”。

也许有几个。 I. 几乎所有产品的解决方案。 （当然，如果它不是专门作为管弦乐构思的，也不是以乐谱草图的形式写下来的）。 这些决定中的每一个都可以以自己的方式在艺术上得到证明。 然而，这些在某种程度上已经是不同的兽人了。 在颜色、张力和部分之间的对比度方面彼此不同的产品。 这证实了I.是一个创作过程，与作品的本质密不可分。

Modern I. 的主张需要精确的措辞说明。 有意义的措辞不仅是遵循规定的节奏和遵循动态的一般名称。 和狂热的。 顺序，还要使用某些方法来表现每种乐器的特点。 所以，在弦上演奏时。 乐器，你可以上下移动弓，在尖端或在弓上，平滑或突然，紧紧按弦或让弓弹跳，每弓演奏一个音符或几个音符等。

精神表演者。 工具可以使用差异。 吹气的方法——来自奋斗。 双重和三重“语言”到一个宽广的旋律连奏，使用它们来表达表达的措辞。 这同样适用于其他现代乐器。 乐队。 乐器演奏者必须彻底了解所有这些微妙之处，以便能够以最大的完整性将他的意图引起演奏者的注意。 因此，现代乐谱（与那个时代的乐谱相比，当时普遍接受的演奏技巧非常有限，而且很多似乎是理所当然的）通常都点缀着许多最精确的指示，没有这些音乐变得毫无特色，失去了生机勃勃的气息。

在戏剧中使用音色的著名例子。 并描绘。 目的是：演奏德彪西《牧神午后》前奏曲中的长笛； 在歌剧尤金奥涅金（牧羊人的戏剧）第二幕结尾处演奏双簧管，然后演奏巴松管； R. Strauss 的诗歌《Til Ulenspiegel》中响彻整个音域的喇叭乐句和小单簧管的呐喊； 歌剧《黑桃皇后》第五幕（在伯爵夫人的卧室）中低音单簧管的阴沉声音； 苔丝狄蒙娜去世前的低音提琴独奏（G.威尔第的奥赛罗）； frullato 精神。 描绘交响乐中公羊咩咩声的乐器。 R.施特劳斯的诗《堂吉诃德》； sul ponticello 琴弦。 描绘佩普西湖战役开始的乐器（普罗科菲耶夫的亚历山大·涅夫斯基康塔塔）。

另外值得注意的是柏辽兹交响曲《哈罗德在意大利》中的中提琴独奏和施特劳斯《堂吉诃德》中的大提琴独奏，交响曲中的小提琴华彩。 里姆斯基-科萨科夫的组曲《天方夜谭》。 这些是拟人化的。 leittimbres 尽管存在差异，但仍执行重要的程序化戏剧。 功能。

I.的原则是在为交响乐创作戏剧时发展起来的。 管弦乐队，主要对许多其他兽人有效。 作品最终以交响乐的形象和风格创作。 并且总是包括两组或三组同质仪器。 这精神绝非巧合。 管弦乐队，以及十二月。 纳尔。 自然。 管弦乐队经常对交响乐作品进行转录。 乐队。 这样的布置是布置的类型之一。 原则 I. - l。 没有众生的工作。 变化从管弦乐队的一种作品转移到另一种作品。 广泛的十二月管弦乐队库，允许小型乐团演奏为大型管弦乐队编写的作品。

作者的我占据了一个特殊的地方，首先是fi。 论文。 有些产品有两个相同的版本——以兽人的形式。 分数和 fp。 演讲（F. Liszt 的一些狂想曲，E. Grieg 的从音乐到“Peer Gynt”的组曲，AK Lyadov，I. Brahms，C. Debussy 的单独戏剧，IF Stravinsky 的“Petrushka”组曲，芭蕾舞组曲“Romeo和朱丽叶”，SS Prokofiev 等）。 在著名的 FP 基础上创建的分数中。 大师 I. 的作品，Mussorgsky-Ravel 的作品在展览中脱颖而出，与他们的 fp 一样频繁地演出。 原型。 在 I. 领域中最重要的作品是由 NA Rimsky-Korsakov 表演的 Mussorgsky 的歌剧 Boris Godunov 和 Khovanshchina 和 Dargomyzhsky 的 The Stone Guest 的版本，以及由 NA Rimsky-Korsakov 表演的歌剧 Boris Godunov 和 Khovanshchina 的新 I.穆索尔斯基，由 DD 肖斯塔科维奇完成。

关于交响乐团有大量文献，总结了交响音乐的丰富经验。 到基金会。 作品包括柏辽兹的《现代乐器与管弦乐论》和里姆斯基-科萨科夫的《从他自己的作品中提取乐谱样本的管弦乐基础》。 这些作品的作者是杰出的实用作曲家，他们设法详尽地回应了音乐家的迫切需求，并创作了没有失去其至高无上的书籍。 许多版本都证明了这一点。 柏辽兹的论文，写于 40 年代。 19世纪，由R. Strauss按照兽人的要求进行了修订和补充。 练习开始。 20世纪

在音乐中。 机构进行特殊课程I.，通常由两个主要组成。 部分：仪器和实际上 I. 其中第一个（介绍性）介绍了仪器，它们的结构，特性，每个仪器的发展历史。 I.课程致力于组合乐器的规则，通过I.转移张力的上升和下降，编写私人（团体）和管弦乐合奏。 在考察艺术的方法时，最终还是从艺术的观念出发。 整个创建（编排）的产品。

技术 I. 是在实践过程中获得的。 上课期间，学生在老师的指导下为乐团誊写首演。 fp。 工作，了解管弦乐队的历史。 风格和分析分数的最佳例子； 此外，指挥家、作曲家和音乐学家还练习阅读乐谱，通常会在钢琴上重现它们。 但是对于初学者来说，最好的做法是在管弦乐队中聆听他们的作品，并在排练期间听取经验丰富的音乐家的建议。

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