电影音乐 |

电影音乐是电影作品的组成部分，是电影作品的重要表达手段之一。 在艺术-va缪斯的发展中。 电影的设计区分了无声电影时期和有声电影时期。

在无声电影中，音乐还不是电影的一部分。 她没有出现在电影的制作过程中，而是出现在演示过程中——电影的放映伴随着钢琴家-插画家、三重奏组，有时还有管弦乐队。 尽管如此，绝对需要音乐。 在电影摄影发展的早期阶段，伴奏已经揭示了它的视听性质。 音乐已成为无声电影不可或缺的伴侣。 发行了推荐为电影配乐的音乐专辑。 作品。 为音乐家和插画家的工作提供便利，同时也引发了标准化的危险，各种艺术的从属地位。 直接说明性的单一原则的想法。 因此，例如，情节剧伴随着歇斯底里的浪漫音乐，喜剧。 电影 - 幽默片、谐谑曲、冒险片 - 疾驰而过等。为电影创作原创音乐的尝试可以追溯到电影存在的最初几年。 1908 年，C. Saint-Saens 为电影《暗杀吉斯公爵》的首映式创作了音乐（由弦乐、乐器、钢琴和风琴组成的 5 个部分组成的组曲）。 德国、美国也进行了类似的实验。

在索夫。 随着新的、革命性的电影艺术的出现，一种不同的电影摄影方法出现了——原始的键盘和乐谱开始被创造出来。 某些电影的伴奏。 其中最著名的是 DD 肖斯塔科维奇为电影“新巴比伦”（1929 年）创作的音乐。 1928年它。 作曲家 E. Meisel 创作音乐来展示猫头鹰。 柏林电影《战舰波将金号》。 作曲家试图找到一种独特、独立和具体的音乐解决方案，这取决于电影的戏剧性。 生产，它的内部组织。

随着录音设备的发明，每部电影都有自己独特的配乐。 他的音域包括发音词和噪音。

自有声电影诞生以来，已经是1930年代了。 电影摄影分为帧内——具体的、有动机的、由画面中描绘的乐器的声音、无线电扬声器、角色的歌声等证明，以及屏幕外——“作者的”、“有条件的”。 可以说，屏幕外的音乐从动作中移除，同时描绘了电影的事件，表达了情节的隐藏流程。

30 年代的电影以情节尖锐的戏剧化而著称，听上去的文字变得非常重要； 言行已经成为刻画人物性格最重要的方式。 这样的电影结构需要大量的帧内音乐，直接将动作的时间和地点具体化。 作曲家试图对缪斯给出自己的解释。 图片; 画框内的音乐脱离了屏幕。 30 岁出头。 其标志是在电影中寻找音乐的语义包含作为有意义和重要的电影。 零件。 电影中人物和事件的最流行的音乐表征形式之一是歌曲。 音乐在这一时期广泛传播。 改编自流行歌曲的喜剧电影。

该物种的经典 K. 样本由 IO Dunaevsky 创建。 他的音乐，电影歌曲（“Merry Fellows”，1934 年，“Circus”，1936 年，“Volga-Volga”，1938 年，导演 GA Alexandrov；“Rich Bride”，1938 年，“Kuban Cossacks”，1950 年，由 IA 导演Pyriev），充满了开朗的态度，以特征，主题为主题。 简单，真诚，获得了极大的欢迎。

与杜纳耶夫斯基一起，电影设计的歌曲传统是由作曲家 br 发展而来的。 Pokrass、TN Khrennikov 和其他人，后来，在 50 年代初。 NV Bogoslovsky, A. 雅。 Eshpay, A. 雅。 Lepin、AN Pakhmutova、AP Petrov、VE Basner、MG Fradkin 等电影“Chapaev”（70 岁，导演兄弟 Vasiliev，comp. GN Popov）以帧内音乐选择的一致性和准确性而著称。 影片的歌曲语调结构（戏剧发展的基础是民歌），单一的主旋律，直接刻画了恰帕耶夫的形象。

在 30 年代的电影中。 图像和音乐之间的关系是基于Ch。 arr。 基于平行原则：音乐强化了这种或那种情感，电影作者创造的情绪，他对角色的态度，情境等加深了它。 在这方面最令人感兴趣的是 DD 肖斯塔科维奇为电影 Alone（1931，导演 GM Kozintsev）、The Golden Mountains（1931，导演 SI Yutkevich）、The Counter（1932，导演 FM Ermler，SI Yutkevich）创作的创新音乐。 与肖斯塔科维奇一起，主要的猫头鹰来到电影院。 交响作曲家 – SS Prokofiev, Yu。 A. Shaporin、AI Khachaturian、DB Kabalevsky 等。 他们中的许多人在整个创作生涯中都在电影中合作。 通常出现在 K. 中的图像成为独立交响曲的基础。 或声乐交响乐。 产品（普罗科菲耶夫等人的清唱剧“亚历山大·涅夫斯基”）。 与舞台导演一起，作曲家正在寻找基本的缪斯女神。 电影的决定，努力理解音乐在电影中的位置和目的的问题。 一个真正有创意的社区连接了计算机。 SS 普罗科菲耶夫和导演。 SM Eisenstein，他致力于解决电影的视听结构问题。 爱森斯坦和普罗科菲耶夫发现了音乐和视觉艺术之间互动的原始形式。 普罗科菲耶夫为爱森斯坦的电影《亚历山大·涅夫斯基》（1938 年）和《伊凡雷帝》（第 1 季 – 1945 年；第 2 部 – 1958 年上映）所配乐以简洁、雕塑般的凸性而著称。 图像，它们与节奏和动态的精确匹配将描绘出来。 解决方案（创新开发的视听对位在电影“亚历山大·涅夫斯基”中的冰上战役场景中达到了特别完美的效果）。 电影中的联合工作，爱森斯坦和普罗科菲耶夫的创造性探索促成了电影作为一种重要的艺术手段的形成。 表现力。 这一传统后来被 50 年代的作曲家采用——早期。 70 年代 EV Denisov、RK Shchedrin、ML Tariverdiev、NN Karetnikov、AG Schnittke、BA Tchaikovsky 等人对实验的渴望、对音乐和图像结合新可能性的发现使他们的作品与众不同。

伟大的艺术尺度。 概括性，音乐作为一般艺术的特征，决定了它在电影作品中的作用：K. 执行“......与所描绘的现象相关的概括图像的功能......”（SM Eisenstein），让您表达最重要的电影的想法或想法。 现代视听电影在电影中提供了缪斯的存在。 概念。 它基于对屏幕外和帧内的激励音乐的使用，这通常成为一种不引人注目但深入而微妙地洞察人类角色本质的方式。 随着音乐和图像直接平行法的广泛使用，音乐的“对位”使用开始发挥越来越重要的作用（甚至在有声电影出现之前，SM Eisenstein 就对其意义进行了分析）。 这种技术建立在音乐和图像的对比并置之上，增强了所展示事件的戏剧性（意大利电影 1943 年和 1960 年的长夜中人质的枪击，伴随着法西斯进行曲的欢快音乐；快乐的决赛意大利电影 Divorce in Italian, 1961 的剧集传递到葬礼进行曲的声音中）。 方法。 音乐经历了进化。 一个经常揭示电影总体、最重要思想的主旋律（例如，1954 年由喜剧演员 N. Rota 执导的意大利电影 The Road 中的 Gelsomina 主题）。 有时在现代电影中，音乐不是用来增强的，而是用来容纳情绪的。 例如，在电影《400 Blows》（1959 年）中，导演 F. Truffaut 和作曲家 A. Constantin 力求音乐的严肃性。 主题以鼓励观众对屏幕上正在发生的事情进行理性评估。

缪斯。 电影的概念直接从属于一般作者的概念。 因此，例如，在日本。 电影《裸岛》（1960 年，导演 K. Shindo，comp. X. Hayashi）讲述了人们在生存斗争中与自然决斗的艰辛、艰难但意义深远的生活，音乐总是出现在镜头中展示这些人的日常工作，并在重大事件进入他们的生活时立即消失。 在电影“士兵的歌谣”（1959 年，导演 G. Chukhrai，comp. M. Ziv）中，担任作词人。 故事，音乐图像有广告。 基础; 作曲家发现的音乐语调肯定了简单善良的人际关系永恒不变的美。

电影的音乐可以是原创的，专门为这部电影创作的，也可以是由著名的旋律、歌曲、古典音乐组成。 音乐作品。 在现代电影中经常使用经典音乐——J.海顿、JS巴赫、WA莫扎特等，帮助电影制作人连接现代的故事。 具有高度人文主义色彩的世界。 传统。

音乐在音乐中占有最重要的地位。 电影，关于作曲家、歌手、音乐家的专门故事。 她要么表演某些戏剧。 功能（如果这是关于创作特定音乐的故事），或者作为插入编号包含在电影中。 音乐在歌剧或芭蕾舞表演的电影改编以及在歌剧和芭蕾舞基础上创作的独立电影中的主要作用。 电影制作。 这种类型的电影摄影的价值主要在于经典最佳作品的广泛普及。 和现代音乐。 在 60 年代。 在法国，试图创造一种原创电影歌剧类型（瑟堡的雨伞，1964 年，导演 J. Demy，comp. M. Legrand）。

音乐包含在动画、纪录片和科普电影中。 在动画电影中，他们自己的音乐方法得到了发展。 设计。 其中最常见的是音乐和图像的精确平行技术：旋律从字面上重复或模仿屏幕上的运动（此外，由此产生的效果可以是戏仿和抒情的）。 方法。 在这方面感兴趣的是 Amer 的电影。 目录W. Disney，尤其是他的“搞笑交响曲”系列画作，在视觉图像中体现了著名的缪斯女神。 产品（例如，“骷髅之舞”与 C. Saint-Saens 的交响诗“死亡之舞”等的音乐）。

现代音乐发展阶段。 电影设计的特点是音乐与电影作品的其他组成部分同等重要。 电影音乐是电影摄影中最重要的声音之一。 复调，这往往成为揭示电影内容的关键。

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