列夫·尼古拉耶维奇·弗拉森科 |

列夫·弗拉森科

在音乐界之前，有些城市具有特殊的优点，例如敖德萨。 在战前的岁月里，有多少辉煌的名字捐献给演唱会舞台。 第比利斯是鲁道夫·克雷尔、德米特里·巴什基洛夫、埃利索·维萨拉泽、莉安娜·伊萨卡泽和其他许多杰出音乐家的出生地，这里有一些值得骄傲的地方。 Lev Nikolaevich Vlasenko 也在格鲁吉亚首都开始了他的艺术之路——一个有着悠久而丰富的艺术传统的城市。

与未来的音乐家一样，他的第一位老师是他的母亲，她曾在第比利斯音乐学院的钢琴系自学。 一段时间后，弗拉森科去了著名的格鲁吉亚老师阿纳斯塔西娅·大卫多夫娜·维尔萨拉泽，毕业，在她的班级学习，一个十年的音乐学校，然后是音乐学院的第一年。 并且，跟随许多人才的道路，他搬到了莫斯科。 自 1948 年以来，他一直是 Yakov Vladimirovich Flier 的学生之一。

这些年对他来说并不容易。 他同时是两所高等教育机构的学生：除了音乐学院外，弗拉森科还在外国语学院学习（并在适当的时候成功完成学业）； 这位钢琴家精通英语、法语、意大利语。 然而，这个年轻人有足够的精力和力量去做一切。 在音乐学院，他越来越多地在学生聚会上表演，他的名字在音乐圈中广为人知。 然而，人们对他的期望更高。 事实上，1956 年弗拉森科在布达佩斯的李斯特比赛中获得一等奖。

两年后，他再次参加表演音乐家的比赛。 这一次，在莫斯科的家中，在第一届柴可夫斯基国际比赛中，这位钢琴家获得了二等奖，只剩下范克莱本，他当时正处于才华横溢的巅峰时期。

弗拉森科说：“从音乐学院毕业后不久，我就被征召入伍了。 大约有一年时间我没有接触过乐器——我生活在完全不同的思想、行为和忧虑中。 而且，当然，非常怀念音乐。 当我复员时，我开始以三倍的精力工作。 显然，在我的表演中，当时有某种情感上的新鲜感，未用的艺术力量，对舞台创造力的渴望。 它总是在舞台上有所帮助：它当时也帮助了我。

这位钢琴家说，他曾经被问过这样一个问题：在布达佩斯或莫斯科的哪一场考试中，他遇到了困难？ “当然，在莫斯科，”他在这种情况下回答说，“我参加的柴可夫斯基比赛是我们国家第一次举办。 首次 - 这说明了一切。 他引起了极大的兴趣——他将苏联和外国最杰出的音乐家召集到陪审团中，吸引了最广泛的观众，成为广播、电视和新闻界关注的焦点。 在这场比赛中演奏是极其困难和负责任的——每次进​​入钢琴都值得非常紧张……”

在著名的音乐比赛中的胜利——以及弗拉森科在布达佩斯赢得的“金牌”和他在莫斯科赢得的“银牌”被认为是重大胜利——为他打开了通往大舞台的大门。 他成为一名专业的音乐会表演者。 他在国内外的演出吸引了无数听众。 然而，作为一名音乐家，他不仅受到关注，还拥有珍贵的桂冠。 从一开始对他的态度就不同了。

在舞台上，就像在生活中一样，有着普遍同情的天性——直接、开放、真诚。 Vlasenko 作为其中的艺术家。 你总是相信他：如果他热衷于诠释一部作品，那么他就是那么热情、激动——那么激动； 如果没有，他无法隐藏。 所谓的表演艺术不是他的领域。 他不行动也不掩饰； 他的座右铭可能是：“我说我的想法，我表达我的感受。” 海明威用精彩的话来形容他的一位英雄：“他从内心深处真正地、人性化地美丽：他的微笑来自一个人的内心或所谓的灵魂，然后愉快而公开地来到人间。面，也就是照亮脸” （Hemingway E. 河边，树荫下。- M.，1961。S. 47。）. 听弗拉森科在他最美好的时刻，你碰巧记住了这些话。

与钢琴家会面时，还有一件事给公众留下了深刻的印象——他的舞台 社交性. 很少有人在舞台上封闭自己，从兴奋中退缩吗？ 其他人则冷酷无情，天生克制，这在他们的艺术中体现出来：按照一种常见的说法，他们不是很“善于交际”，他们让听众仿佛与自己保持距离。 对于 Vlasenko，由于他的才能（无论是艺术还是人类）的特殊性，很容易与观众建立联系。 第一次听他的人有时会表示惊讶——印象是他们早就知道他是一位艺术家。

那些与 Vlasenko 的老师 Yakov Vladimirovich Flier 教授有密切关系的人认为，他们有很多共同点——明亮的流行气质、慷慨的情感流露、大胆、全面的演奏方式。 确实如此。 到达莫斯科后，弗拉森科成为了弗莱尔的学生，也是最亲密的学生之一，这绝非巧合。 后来他们的关系发展为友谊。 然而，即使从他们的曲目中，两位音乐家的创作性质的血缘关系也很明显。

音乐厅的老前辈们都清楚地记得弗莱尔曾经在李斯特的节目中大放异彩。 有一种模式是弗拉森科也凭借李斯特的作品首次亮相（1956 年在布达佩斯举行的比赛）。

“我喜欢这位作家，”列夫·尼古拉耶维奇说，“他引以为豪的艺术姿势、高贵的悲怆、壮观的浪漫长袍和雄辩的表达方式。 碰巧在李斯特的音乐中我总是很容易找到自己……我记得从小我就特别高兴地演奏它。

然而，弗拉森科不仅 开始 从李斯特到大型音乐会舞台。 多年后的今天，这位作曲家的作品已成为他节目的核心——从练习曲、狂想曲、抄本、从循环“流浪年代”到奏鸣曲和其他大型作品。 因此，1986/1987 乐季莫斯科爱乐乐团中的一件值得注意的事件是弗拉森科演奏了李斯特的钢琴协奏曲《死亡之舞》和《匈牙利主题幻想曲》。 由 M. Pletnev 指挥的管弦乐队伴奏。 （今晚是献给作曲家诞辰 175 周年的。）在公众中的成功真是太棒了。 难怪。 波光粼粼的钢琴曲风、欢快的音调、响亮的舞台“演讲”、壁画、有力的演奏风格——这一切都是弗拉森科真正的元素。 在这里，钢琴家从对自己最有利的一面出现。

还有一位作家与弗拉森科的关系并不差，正如同一位作家与他的老师拉赫玛尼诺夫的关系一样。 在弗拉森科的海报上，您可以看到钢琴协奏曲、前奏曲和其他拉赫玛尼诺夫作品。 当一个钢琴家“在节奏上”时，他真的很擅长这个曲目：他用一种广泛的感觉淹没了观众，正如一位评论家所说，“压倒”了尖锐而强烈的激情。 巧妙地拥有在拉赫玛尼诺夫的钢琴音乐中扮演如此重要角色的 Vlasenko 和厚实的“大提琴”音色。 他的手又重又软：用“油”的声画比枯燥的声音“图形”更接近他的本性； ——可以说，按照从绘画开始的类比，对于他来说，宽刷子比锋利的铅笔更方便。 但是，也许弗拉森科的主要内容，因为我们谈论他对拉赫玛尼诺夫戏剧的解释，是他 能够将音乐形式作为一个整体. 自由自然地拥抱，不要因为一些小事而分心； 顺便说一句，这正是拉赫玛尼诺夫和弗莱尔的表演方式。

最后是作曲家，根据弗拉森科的说法，这些年来他几乎成为了最接近他的人。 这是贝多芬。 事实上，贝多芬的奏鸣曲，主要是悲怆、农历、第二、十七、热情、小事、变奏曲、幻想曲（Op. 77），构成了弗拉森科七八十年代曲目的基础。 一个有趣的细节：尽管弗拉森科在中央电视台上多次谈到有关贝多芬的故事，但并没有将自己称为关于音乐的冗长对话的专家——对于那些知道如何并喜欢用文字来解释它的人来说。

“随着年龄的增长，我发现这位作曲家对我越来越有吸引力，”钢琴家说。 “很长一段时间以来，我都有一个梦想——弹奏他的五首钢琴协奏曲。” Lev Nikolaevich 在最后一个赛季中完美地实现了这个梦想。

当然，Vlasenko 作为一名专业的嘉宾表演者应该转向各种各样的音乐。 他的表演武器库包括斯卡拉蒂、莫扎特、舒伯特、勃拉姆斯、德彪西、柴可夫斯基、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇……然而，他在这个曲目中的成功，有些东西离他更近，有些更远，不一样，并不总是稳定和甚至。 但是，不要感到惊讶：弗拉森科的表演风格非常明确，其基础是精湛的精湛技艺； 他的演奏真的像个男人——坚强、清晰、简单。 它在某处令人信服，并且完全，在某处不完全。 如果你仔细看看弗拉森科的节目，你会发现他小心翼翼地接近肖邦，这绝非巧合……

谈论thо 由艺术家表演，不可能不注意到他近年来最成功的节目。 这里有李斯特的 B 小调奏鸣曲和拉赫玛尼诺夫的练习曲绘画、斯克里亚宾的第三奏鸣曲和吉纳斯特拉的奏鸣曲、德彪西的图像和他的欢乐岛、胡梅尔的降 E 大调回旋曲和阿尔贝尼兹的科尔多瓦……自 1988 年以来，弗拉森科的海报一直在看BA Arapov，最近由他学习，以及 Bagatelles，作品。 126 贝多芬，前奏曲，作品。 11 和 12 斯克里亚宾（也是新作品）。 在对这些作品和其他作品的解读中，或许弗拉森科现代风格的特征尤为明显：艺术思想的成熟和深度，以及不随时间褪色的活泼强烈的音乐感。

自 1952 年以来，列夫·尼古拉耶维奇 (Lev Nikolaevich) 一直在任教。 起初，在莫斯科合唱学校，后来在格涅辛学校。 自 1957 年以来，他一直是莫斯科音乐学院的教师之一； 在他的课堂上，N. Suk、K. Oganyan、B. Petrov、T. Bikis、N. Vlasenko 和其他钢琴家获得了舞台生活的门票。 M. Pletnev 在 Vlasenko 学习了几年——最后一年在音乐学院担任助理实习生。 也许这些是列夫·尼古拉耶维奇教学传记中最精彩、最激动人心的一页……

教学意味着不断地回答一些问题，解决生活、教育实践和学生青年带来的无数意想不到的问题。 例如，在选择教育和教学曲目时应该考虑什么？ 你如何与学生建立关系？ 如何进行课程以使其尽可能有效？ 但是，对于任何一位音乐学院的老师来说，对于学生的公开表演来说，最大的焦虑可能会出现。 而年轻的音乐家们自己也在不断地从教授那里寻找答案：舞台成功需要什么？ 是否有可能以某种方式准备，“提供”它？ 与此同时，显而易见的事实——例如，他们说，程序必须充分学习，技术上“完成”，以及“一切都必须解决并出来”——很少有人能满足。 Vlasenko 知道，在这种情况下，只有根据自己的经验，才能说出真正有用和必要的话。 只有你从他的经历和经历开始。 事实上，这正是他所教导的人对他的期望。 “艺术是个人生活的体验，用图像和感觉来讲述，”安托尔斯泰写道，“ 声称是概括的个人经验» （托尔斯泰赫 VI 艺术与道德。- M.，1973。S. 265, 266。）. 教学的艺术，更是如此。 因此，列夫·尼古拉耶维奇（Lev Nikolaevich）心甘情愿地提到了他自己的表演实践——无论是在课堂上、在学生中，还是在公开对话和采访中：

“舞台上不断发生一些不可预测、莫名其妙的事情。 例如，我可以在到达音乐厅时得到充分的休息，为表演做好准备，对自己充满信心——而键盘手会在没有太多热情的情况下通过。 反之亦然。 我可以在这种状态下上台，以至于我似乎无法从乐器中提取出一个音符——游戏会突然“开始”。 一切都会变得轻松愉快……这是怎么回事？ 不知道。 可能没有人知道。

尽管为了方便您在舞台上停留的最初几分钟，有一些事情可以预见——而且它们是最困难的、不安的、不可靠的……——我认为这仍然是可能的。 例如，重要的是程序的结构及其布局。 每个表演者都知道这是多么重要——而且正是与流行乐福祉问题相关联。 原则上，我倾向于以我感觉尽可能平静和自信的乐曲开始协奏曲。 弹奏时，我尽量听钢琴的声音； 适应房间的音响效果。 简而言之，我努力完全进入，沉浸在表演过程中，对我所做的事情产生兴趣。 这是最重要的——产生兴趣，忘乎所以，全神贯注于游戏。 然后兴奋开始逐渐消退。 或者，也许你只是停止注意到它。 从这里开始，这已经是迈向所需的创造性状态的一步了。

Vlasenko 非常重视公开演讲之前的任何事情。 “我记得有一次我和出色的匈牙利钢琴家安妮·菲舍尔谈论这个话题。 她在演唱会当天有一个特殊的例行公事。 她几乎什么都不吃。 一个没有盐的煮鸡蛋，就是这样。 这有助于她在舞台上找到必要的心理生理状态——紧张的乐观、快乐的兴奋，甚至可能有点兴奋。 那种特殊的微妙和敏锐的感觉出现了，这对于音乐会表演者来说是绝对必要的。

顺便说一句，这一切都很容易解释。 如果一个人吃饱了，通常会陷入一种自满放松的状态，不是吗？ 它本身可能既令人愉悦又“舒适”，但不太适合在观众面前表演。 因为只有内心通电，所有精神之弦都在紧张振动的人，才能引起观众的反应，将其推向同理心……

因此，有时会发生同样的事情，正如我上面已经提到的。 似乎一切都有助于成功的表演：艺术家感觉良好，内心平静、平衡，对自己的能力几乎充满信心。 音乐会是无色的。 没有情绪流。 当然，还有听众的反馈……

总之，要调试，思考前夕的日常作息——尤其是饮食——很有必要。

但是，当然，这只是事情的一方面。 比较外向。 总的来说，艺术家的一生——理想情况下——应该是这样的，他随时准备用他的灵魂回应崇高的、精神化的、诗意的美丽。 大概不需要证明，一个对艺术感兴趣的人，一个喜欢文学、诗歌、绘画、戏剧的人，比一般人更倾向于崇高的感情，所有的兴趣都集中在这个领域平凡的、物质的、日常的。

年轻的艺术家们在表演前经常会听到：“不要为观众着想！ 它干扰！ 在舞台上只考虑你自己在做什么......“。 Vlasenko 对此表示：“建议很容易……”。 他很清楚这种情况的复杂性、模糊性和二元性：

“表演时我个人有观众吗？ 我注意到她了吗？ 是和不是。 一方面，当你完全进入表演过程时，就好像你没有考虑观众一样。 除了在键盘上所做的事情之外，您完全忘记了一切。 然而……每个音乐会音乐家都有一定的第六感——“观众的感觉”，我会说。 因此，大厅里的人的反应，人们对你和你的比赛的态度，你不断地感觉到。

你知道在演唱会上什么对我来说最重要吗？ 最有启发性的？ 安静。 因为一切都可以组织起来——包括广告、场地的占用、掌声、鲜花、祝贺等等，除了沉默之外的一切。 如果大厅冻结了，屏住了呼吸，这意味着舞台上真的发生了一些事情——一些重要的、令人兴奋的……

当我在比赛中感觉到我已经吸引了观众的注意力时，它给了我巨大的能量爆发。 作为一种麻醉剂。 这样的时刻对表演者来说是极大的幸福，是他梦想的终极。 然而，就像任何巨大的快乐一样，这种情况很少发生。

碰巧有人问列夫·尼古拉耶维奇：他是否相信舞台灵感——他是一名专业艺术家，对他来说，在公众面前表演本质上是一项多年来定期、大规模地进行的工作……“当然，“灵感”这个词本身 » 因频繁使用而被彻底磨损、印记、磨损。 相信我，有了这一切，每个艺术家几乎都准备好为灵感祈祷。 这里的感觉是独一无二的：好像你是正在演奏的音乐的作者； 仿佛里面的一切都是你自己创造的。 有多少新的、意想不到的、真正成功的东西在舞台上这样的时刻诞生！ 从字面上看，在所有方面——在声音的着色、短语、节奏的细微差别等方面。

我要说的是：即使没有灵感，也很有可能举办一场好的、专业的、扎实的音乐会。 这样的案例不胜枚举。 但如果灵感来自艺术家，音乐会就会变得难以忘怀……”

如您所知，没有可靠的方法可以在舞台上激发灵感。 但列夫·尼古拉耶维奇认为，有可能创造条件，在任何情况下都对他有利，为他准备适当的基础。

“首先，心理上的细微差别在这里很重要。 你需要知道并相信：你在舞台上能做什么，别人不会做。 让它不要到处都是，而只是在某个曲目中，在一两个或三个作者的作品中——没关系，这不是重点。 我再说一遍，最主要的是感觉本身： 你玩的方式，对方不会玩. 他，这个想象中的“他者”，可能有更强大的技术，更丰富的曲目，更丰富的经验——任何东西。 但是，他不会像你那样唱这个词组，他不会找到这么有趣和微妙的音调……

我现在所说的那种感觉对于一个音乐会音乐家来说一定很熟悉。 它在舞台上的困难时刻鼓舞人心、振奋人心、提供帮助。

我经常想起我的老师 Yakov Vladimirovich Flier。 他总是试图让学生们振作起来——让他们相信自己。 在怀疑的时候，当我们并非一切顺利时，他以某种方式灌输了良好的精神、乐观和良好的创造性情绪。 这给我们班上的学生们带来了无可置疑的好处。

我想几乎每一个在大型音乐会舞台上表演的艺人都在内心深处坚信自己的演奏比别人好一点。 或者，无论如何，也许他能够打得更好……而且没有必要为此责怪任何人——这种自我调整是有原因的。

… 1988 年，在桑坦德（西班牙）举办了一场大型国际音乐节。 它引起了公众的特别关注——参与者包括 I. Stern、M. Caballe、V. Ashkenazy 以及其他欧洲和海外著名艺术家。 Lev Nikolaevich Vlasenko 的音乐会在这个音乐节的框架内取得了真正的成功。 评论家对他的才华、技巧、他“忘乎所以并着迷……”的快乐能力赞不绝口。在西班牙的表演，就像弗拉森科在八十年代下半叶的其他巡回演出一样，令人信服地证实了对他的艺术的兴趣并没有减弱。 他仍然在现代音乐会生活中占有重要地位，无论是苏联还是外国。 但是要保住这个位置比赢得它要困难得多。

G.齐平，1990